好声音的三个特征-音响与现场的真相(实战供电、避震、声学处理、... [复制链接]

    经过一段已经硬体化的村村通水泥路之后，转入乡下常见的沙石路面，踩着已经给足印磨平的草梗小径，经过几片农田就到了最喜欢去的池塘。每次下乡，都要来这个被芦苇环绕的池塘钓鱼、拉网、晒太阳，或倒入几桶小鱼苗，期待来年不断有所收获的惊喜，能在朋友圈继续保持新鲜度，这是城里人最喜欢的乡下休闲节目。

    那几片田地，不同的季节，不同的年份，会变换着豆角、番茄、辣椒、甘蔗、西瓜，每次经过都要在旁边的几片洼地逗留，挖蚯蚓，找鱼饵。今年，随手拍下的几个老树根、老树桩，手机里感觉看的很是养眼。经旁边的叔伯兄弟提醒，想起20年前，这里还是一片林地，种植着一种可以采集胶质的树种，后来才知道，那些装在无数个小罐子里的胶质乳液是很多日常用品必不可少的材料，作为20、30年前的全国百强镇，这里曾经也是一片辉煌，也有无数附近乡镇来参观、学习和观摩的人群，接踵碰肩，喧闹异常，村里的人脸上总是如绽开的花朵一样，灿烂和自满。如今，这里一片恬静，恬静如无数无人知晓的乡下野地，野花每年开了又谢，虫草每年换了一批又一批，偶尔遇到的乡民，也是各自绽开着如花般的笑容，寒暄之后，需要非常努力的回忆，才能想起彼此原本的模样。如同这几个老树桩、老树根，不是同行的叔伯兄弟提醒，或许，也就淡忘了以往的这片辉煌，不是拍下这几张照片，除了那一圈圈年轮之外，我也不会发现和原来究竟有些什么不同？

    我看着手机播放器界面里的专辑封面，看着那只手下的一抹红色，脑海里闪现的如许多人一样，是那个在片头里，穿着一身红色大衣的小女孩。电影后期用特殊的技法，将周边的德国士兵、房屋、街道都变成了黑白色，让这个身着红装的小女孩更加突出，更加容易被人的视线捕捉到，让那一抹红色更具象征意义。这种象征意义，随着乐曲的铺开，我想，帕尔曼、斯皮尔伯格、约翰威廉姆斯，他们脑海里应该会是不同的模样：

那一抹红色，是定格的照片，让悲伤成为永恒

那一抹红色，是人性的善意，昭示丑恶的耻辱

那一抹红色，是神性的光辉，安抚着风中逝去的灵魂

那一抹红色，是死亡的警示，如同鲜血绽放在雪地，

那一抹红色，是生命的花朵，绽放在花季

那一抹红色，是硝烟熄灭前的辉煌，萦绕着不舍的思念

那一抹红色，是历史长河里的一朵浪花，璀璨中昙花一现

那一抹红色，是哭墙前默念的无数个名字中的一个，在无数梦境中轻轻挥手告别

那一抹红色，是天上繁星中的一颗，夜幕里闪烁永恒的辉光。

那一抹红色，在耶路撒冷的金色塔顶，在每一个清晨和每一个黄昏，吟唱千古不变的祷告：哦耶路撒冷 愿你平安！

哦 耶路撒冷 愿你人丁兴旺！哦 耶路撒冷我流着泪为你歌唱！

    这种“忘记”，可在CD专辑中，两段“Remembrances”（追忆）感受到。分别由约翰威廉姆斯的钢琴和帕尔曼的小提琴，作为主乐器。前者演绎的是不舍，是绝望、是刻骨铭心的记忆和不能忘却的悲伤，是一种与故事和画面高度契合的、世俗的纠缠不清的情绪；后者演绎的则是对生命的眷念，对人性善良的赞美，对神性光辉的感恩，带着强烈的宗教理念和情感。与其说作为犹太人的帕尔曼演奏时感同身受，陷入故事情节之中，不如说帕尔曼已经忘记了故事、忘记了乐谱，跨越了时空回归到那一群犹太人之中，沉浸在了一种独特的可以意会而无法言传的情感世界之中。这种“忘记”和“回归”，才是让帕尔曼让人感觉完全不同的最大感受，也让小提琴成为这张CD专辑里最有感染力的和最出彩的。

    上面三者的“不同”，在影片和这张CD中，能看到很多，听到很多。看的越多，听的越多，这种“不同”的感觉会更强烈，器材对音乐情绪、乐器特征以及细节、场景重现能力越强，则这种“不同”感带来的 “辨识符号”会更加强烈和清晰。

    一直以来，认为音乐给人身临其境的感觉，应该是来自于对作品或作者的认同，来自于对音乐场景中的故事的理解和感悟，来自于这种感同身受的共鸣。然而，不知道什么时候，我感觉我错了。音乐的这种代入感、临境感，更多的时候或者更强烈的时候，不是来自于这种解读后的 “认同”，恰恰来自于聆听过程中种种的“不同”，只有一次又一次听到了“不同”，才能一次又一次陷入其中。因此，很多时候，我喜欢这种忘记了乐谱、忘记了故事、忘记了背景，陷入其中的感觉，迥异于通常的“解读”音乐而去理解、认识音乐后获得的听感和快感。

     这种无需解读的“不同”，会如同那个穿红色大衣的小女孩，在聆听音乐的过程中不断呈现，你听的越多，听的越清晰，听的越投入，越容易忘记音乐本来演绎的故事、背景，也越来越陷入自己的情感世界中去，那个世界里，没有辛德勒、没有拉蒙、没有犹太人，甚至小女孩也变成了不同的象征符号，但会有悲伤、会有不舍、会有对人性的思索，会有对生命的眷念，会有对亲人、对爱人、对子女…斩不断、理不清的各种情感和思绪，你只沉浸其中，而音乐与你也不再有可见可感的距离。如果说，对于音乐再现，器材重播来说，如临现场、身临其境是一种非常好的听感体验，那么，这种对音乐本身有高度“辨识度”、获得富有变化又精彩纷呈，不断升华又让人无需解读就能沉浸其中的独特听感，就是我说的“入境”了，这种听感更自然，更真实，更富有感染力。

    可以说，在聆听过程中，听到的“不同”愈多，则对音乐本身理解的愈多，对器材重播的特征、特点体味的愈多，从而不断提升我们自身的“辨识”和“阅读”能力，也有助于我们对音乐、对音响器材，保持持续的激情和热情，从而逐步明晰自己的兴趣所在，形成自己的听音标准。

    通常，当我们拿到一件新的器材，往往最期待的就是听到以往的“不同”，然后对这些“不同”进行经验积累之后的“评判”，最终形成对这件新增加的器材或新玩具的看法。

   这种看法更多需要建立在一些公认的评判标准，而非标新立异的个人感官上。

    现场的优势在于“耳听为实，眼看为真”：真实。但真实就真的好听吗？这个恐怕，不少人会心虚；

   音响的优势在于比现场听的更加：“清晰”。例如我们在安静的小听音室里津津乐道的小提琴揉弦、擦弦的细节、细微动态，在环境更庞大的音乐厅，人潮涌动的脑壳海洋里，恐怕大多数位置未必能听的到，或者听的清楚。但听的清晰，就一定好听吗？这个恐怕好多人又要会支支吾吾了。

    为什么在我们自己的听音室里，总是躁动不安？为什么我们总要去辛苦的摆位、调整，不厌其烦的去矫正结像、定位、层次，因为我们想听到更多的细节，想听到更丰富、更自然、更逼真的声音表现，想在自己的小盒子里还原在现场听到的美妙声音，以期获得将音乐厅搬回家的美好愿望。但结果，往往都是这样或那样的不如意。为什么现场就是那么的简单，而在家里听个小曲儿，就要那么地麻烦，这折腾人的玩意，何苦来哉？

   悲剧的是：无数发烧友将线材、避震、器材、摆位来来回回折腾了个遍，甚至还求助于各种各样千奇百怪的“神器”道具，将这一切做到极致之后，带着美好的期待等待“奇迹”降临，然后，摇摇头，又接着闷头从头开始，来而往复，不亦乐乎。我们其实都忽略了一个重点，我们忘记了：现场或录音室的录音，是在一个声学良好的空间，是在一个将近完美的底噪之下获得。既然渴望“重播现场”，那为什么不先将音乐厅或录音室声学设计和空间处理的种种考虑，“复制”到小盒子里呢？这也违背了你想“完美”地和“完整”地把音乐厅带回家的迫切愿望啊？如果，连霍洛维茨在开场前，都要反复移动钢琴在几近完美的舞台上寻找更好声音的位置？如果移动音箱

    因此，是否完美？只是看你有多大的决心和信心而已。