【纪念贝多芬逝世180周年】出自心灵而回归心灵！！ [复制链接]

威廉·肯普夫演奏贝多芬的月光奏鸣曲第一乐章

第一乐章－持续的慢板，升c小调2/2拍子，三部曲式

这个乐章情感的表现极其丰富，有冥想的柔情，悲伤的吟诵，也有阴暗的预感。虽然伴奏，主题和力度的变化不大，但仍通过和声，音区和节奏的变化，细腻地表现了作者心弦的波动。 这首奏鸣曲包含着贝多芬最原始的构思。它那梦一般即兴的性质，探索钢琴音响共鸣的方式已预察到约一百年后德彪西的印象乐派。它所依据的题材很简单：乐曲一开始，由不断流出的三連音构造了无边的幻想，四小节后，第一主题在中音区淡淡地出现。它细致而沉静，略带些忧郁。1段1分18秒在B大调上出现了第二主题。中间部由第一主题开始。三连音曲折有致地走向高音区，呈现出急躁不安的情绪。随后，进入第三段，第一主题平静地再现，第二主题以升c小调的面目再现，然后以低音继续奏出基础动机的尾奏，慢慢地消失而结束。

Kempff这个环保装真是典雅，很符合大师的风格。

S兄要是精力允许，把几阙著名的奏鸣曲都比较一下吧，我最近在集中比较“华德斯坦”。

21号钢琴奏鸣曲译名很多，分别叫华伦斯坦，华德斯坦，华尔斯坦，也叫黎明。

贝多芬的第21号钢琴奏鸣曲《华尔斯坦》，C大调，OP.53,作于1803-1804年，因献给华伦斯坦伯爵而命名，也有称这首曲名为《黎明》的。包括两个乐章：1.朝气蓬勃的快板，第一主题是灿烂辉煌的音型，伴它出现的有华丽的音群，第二主题E大调，其宁静安逸与第一主题形成对比。2.温和的极快板，回旋曲。前面有一段极慢部导入部，用孤寒的情绪来表达意浓情深，就如“乌云遮掩着的天使的微笑”。第二乐章是一首庞大的回旋曲，其主题充溢着幸福感，据说来自波昂地区的民谣。结尾，回旋曲主题在变奏、发展、八度音程的音阶，以及长长的颤音等技巧下，显示出辉煌的效果。（摘自http://zhidao.baidu.com/question/1804240.html）

《月光》的一个传奇版本：

以钢琴奏鸣曲来开这个帖子头真是好啊!
建议阿标继续把这个帖子集中在贝多芬的室内乐来谈论,并纪念其180周年逝世.
一来贝多芬的交响曲和协奏曲都被舆论说兰了.无须赘言
二来贝多芬的室内乐才是他真实的心灵史.更须乐迷关注.
钢琴奏鸣曲,小提琴奏鸣曲,三重奏,四重奏.都是音乐史上非常重要的作品.

说到钢琴奏鸣曲,除了几首标题的作品,我觉得其它的也很动听.

NO.2,NO.4和NO.7是早期里面很出采的作品.体积大,难度也大.
如果NO.11和NO.12也算早期的话,那么这两首作品就能用杰出,神品等词汇来形容.
多数人都很关注NO.14"月光"了,而我喜欢把NO.13和"月光"放在一起欣赏.
本来NO.13和NO.14就是"姊妹篇",贝多芬称之为两首幻想曲奏鸣曲.
NO.15也有标题,叫"田园".我是实在喜欢,它太优美了,趣味是多么的丰富,意境又是如此的曼妙.
NO.16和NO.17"暴风雨"都是美妙壮丽的奏鸣曲.
尤其是NO.17,真是绝妙之杰作!
NO.19和NO.20相当恬淡,舒雅.情深款款.
NO.22,NO.24,NO.25,也是能反复把玩,回味好东东.
NO.25相当好.
虽说最后5首是是"高难度"作品,其实多听了也不耽误咱们欣赏它们的伟大!

如果说莫扎特钢琴奏鸣曲是以其美丽动听的旋律,纯真活泼的灵性来紧扣我们的心灵的话,
那么贝多芬的钢琴奏鸣曲就是以深沉有力的音响,博大宽广的和声,崇高庄严的精神征服我们.

关兄说得好！你是真正热爱贝多芬的，向你学习。在这个帖子里，我会参考你的意见。以前和乐友谈起乐圣，觉得乐圣之所以伟大，是因为他既能写出狂飙突进，雄伟壮阔的伟大乐章，也能写出柔情似水，优美曼妙的室内乐。我听贝多芬的音乐有10几年了，到目前，越来越喜欢乐圣那些内省的作品，觉得室内乐表现了贝多芬博大思想的一个重要方面，更加真实地反映了贝多芬的思想。当然贝多芬的交响曲和协奏曲也经常听，她们是绝对不能忽视的。尽管我们听乐有偏好。

也期待关兄谈谈布伦德尔的新版贝多芬奏鸣曲，我没听过。看到大家反映都非常好。

说到表现贝多芬的内心世界的作品，正如关兄所言，重头戏在晚期弦乐四重奏和钢琴奏鸣曲等室内乐。其实除了室内乐，贝多芬其他的很多作品都反映了他的内心世界。我特别喜欢交响曲田园，尤其是终乐章，乐圣那种对大自然，上帝，生活的感恩之情，真情流露，非常感人........交响曲后面再谈。

原帖由 locky1974 于 2007-5-18 18:08:00 发表 更多内容，请浏览http://hifi.nbren.net/881622/ShowPost.aspx [img]http://farm1.static.flickr.com/218/501995392_138459231a_o.jpg......

很羡慕你们举行这样的活动，非常有意义。我觉得乐圣的思想对今天的我们仍然有很大的指导意义，她教给我们勇敢和坚定........说来惭愧，近几年听贝多芬不是太多，但近几个月都在听维格组弦乐四重奏和肯普夫的钢琴奏鸣曲，又获得很多新的感悟。近几年听巴赫，觉得他是最伟大和浩瀚的，但重温贝多芬，觉得他的思想更加深邃。我始终坚持这样一种个人看法：贝多芬和巴赫等伟大音乐家的思想仍是今天构建我们精神家园的重要组成部分，他们永远不会过时.........

贝多芬《热情》钢琴奏鸣曲 ，大家猜猜这位老太太是谁？

这位女钢琴家叫Myra Hess，下面引用一些文字说明一下。

Myra Hess蜜拉. 海丝(ZZ)
智慧与想象力--Myra Hess

*注：此为Philips 二十世纪伟大钢琴家系列Myra Hess卷说明书

1890年出生于英国伦敦，1965年逝于伦敦。海丝在市政厅音乐院向帕斯卡〈JulianPascal〉与摩根〈Orlando Morgan〉学琴，十二岁得到皇家音乐院奖学金师从马太〈Tobias Matthay〉，1907年首度在伦敦登台演出。这场音乐会是由海丝自己筹划，在毕勤〈Thomas Beecham〉的指挥下演出贝多芬第四号钢琴协奏曲等作品，展开她在英国与欧洲大陆间成功的演奏事业。海丝从1922年开始在美国演出，受到当地乐迷特别的喜爱；二次大战期间，海丝在伦敦国家美术馆举办的午餐音乐会也让人留下深刻的印象。由于对英国大众的服务与页献，英国皇室策封她为爵士。第二次世界大战结束后，海丝把自己广泛的独奏及室内乐演奏曲目缩小至巴赫〈她改编自巴赫作品的钢琴曲《耶稣，为人仰望的喜乐》名闻全世界〉，史卡拉第、维也纳古典乐派曲目、舒曼、肖邦、布拉姆斯、法朗克、葛利格与德布西。在海丝的音乐成就中，最杰出的莫过于降低古典风格的浪漫倾向，改向大众推介纯粹、不矫饰的朴素演奏风格。

海丝爵士是伦敦「美好时期」的人物，她习惯穿戴连指手套与皮衣，是卡内基音乐厅众所瞩目的贵妇。一般人对「海丝小姐」的印象是：名师、表演家、音乐家、社交界名流、生长于妇权运动时代的女性、有「梦一般的灰色眼睛」、一位美丽的犹太女子，以及反抗命运的个性；和一般人印象中英王爱德华七世时代的女子不同。她的演奏会永远少不了鲜花簇拥的热烈场合，一位曾出席海丝伦敦西区音乐会、独奏会与她第一次逍遥音乐节演出〈1907-08〉的人士表示：「海丝小姐的灵魂里有绝佳的音乐天赋。她的音乐优雅如诗，因为音乐就在她的心中。」海丝的经纪人回忆道，1921年女王厅的音乐会上，她「谢幕八次，安可六次，〈听众〉异常热情。」这种狂热就像一九００年，戈多夫斯基首度征服柏林一样。不多时，海丝想进军美国，进一步取得自我肯定〈「自己的同胞，」〉她曾说：「知道你是新人，会采取不同眼光来衡量你。」这次巡演由未来的霍洛维兹经纪人策办。她也许让一九二二年元月十七日到纽约Aeolian厅聆听她美国首演的少数听众感到遗憾〈一千二百个座位，仅六十六人出席〉，但并没让媒体错失报导。「她全身每吋都是艺术。秀外慧中的体态，举手投足充满音乐感。她的知识、反应、技艺...都属最上流。她不是凭空幻想，而是有着高度智慧与想象力。她的演奏不仅具有智性，而且充满诗意。音乐的典籍向她开展着...」〈Henry E. Krehbiel，Tribune〉。

蜜拉的老师马太深明演奏放松之道，告诉她演奏中投射到声音及时间点的相对关系，也就是：「〈音符〉从寂静过度到有声之间的瞬间」是最紧要的。尽管她终身奏行其师训示以及她自己的信念：「音乐最高境界，必需是演奏者对作曲者心境的领悟。」〈说于February 1908〉，但蜜拉在她学生时代，曾不只一次被批评其演奏充满不守规矩的急躁，不注重乐曲格律，重音游走于凶暴边缘，「倾向夸大每个音色和速度变化。」〈The Times，27 January 1908〉。


　　然而后来她的控制力与节制力，「怡人的优雅风范」是她最让人印象深刻的。她那「融合键盘所有音色的天份」〈Neville Cardus〉，出于她钢琴技艺的成熟。她的杰出学生之一柯瓦谢维契〈1959-61年间随她学习〉，记得有次海丝曾教他：「如果你想感受一张邮票的重量，总不会像钳子一样用力抓着感觉吧！」同样，如果演奏者能感受键盘的质感和机件的微妙抗力，就不会试图以僵硬的手臂去制造想要的音色。「她教我掌握风格的要素，是以适切的音色去表现你在诠释的音乐家，她让我花更多工夫去了解作曲家的特征。同样地，她也开导我对速度的观念；她告诉我，从容的速度往往能创出令人惊叹的兴奋程度。」〈Dean Elder，Clavier interview【 5 August1971】〉她在叶莲娜?吉哈德〈Elena Gerhardt〉纪念音乐会〈伦敦 1953〉发表的开场白，让我忆起她曾提及钢琴家向声乐家学习的重要性。「在钢琴上，所谓真实的『歌唱』其实是一种幻像，只有非常紧密专注的音符，才可以创造连续旋律线般的感觉。而当我想到完美旋律线时，我经常想到叶莲娜的歌唱，那可说是完美旋律线的典型！这种完美的记忆，将永远活在我们心中，藉此我们可以永远记得什么是美的真谛。」

蜜拉·海丝把战前的英国钢琴传统从「漫长的平庸」中拯救出来，比同时期钢家要显得「摩登」得多。和她那些感情粗糙、夸张做作的同侪比起来，她表现出一种优质的新演奏方式，干净、超技、节奏清晰、较少使用踏瓣。虽不是最显著特点之一，但她坚持弹奏曲中必要的反复〈舒曼降B大调奏鸣曲是著名例子〉。例如，她与蓝道芙丝卡或费雪作风相反的是，她忠实按谱面记号弹奏莫扎特。虽然她的手掌框架不大〈勉强够弹一个八度〉，但她仍追随许纳贝和巴克豪斯的路子，演出曲目集中在德奥经典巨作上。例如巴赫、莫扎特〈协奏曲中的二十一首〉、贝多芬〈《热情》奏鸣曲、《皇帝》协奏曲〉。舒伯特〈《流浪者》幻想曲，她在伦敦首演的曲目〉，舒曼?布拉姆斯〈F小调奏鸣曲，重量级的D小调和降B大调协奏曲〉。

不过她也不排斥肖邦、格拉纳多斯或拉赫曼尼诺夫〈远在Eileen Joyce之前，她就以拉氏第二号钢琴协奏曲扬名〉。她也喜欢史卡拉第作品中的「拉丁－伊贝利亚」节奏〈史卡拉第／杜卡改编的作品亦然，1927年她尚未与哥伦比亚公司签约前，曾为Duo Art的自动纸卷钢琴录制这部作品〉。同时她也是位颇具说服力的现代音响支持者，例如她曾经录制HowardFerguson的钢琴奏鸣曲，一九五五年在逍遥音乐节演奏后者钢琴协奏曲，一九六０与小提琴家史坦复在爱丁堡音乐节亦合作其小提琴奏鸣曲。就像科恩〈Harriet Cohen，后来的马太学生之一〉一样，她认为技术应该是感情的仆人，而音乐又是人生呈现出来的表情。在她音乐中很少冲突性的感情，也许这就是偶尔当她疏于防范时，流露出的表白是如许强烈的原因。虽不乏名流雅仕追求〈不只有莫伊塞维契〉，海丝终生未婚，但她深知恋爱的感觉。她说：「我很担心我会太执着于感情和婚姻，我知道我们这个行业，只能专注于一件事，那就是钢琴。」

1938〉除贝多芬第五号钢琴协奏曲之外，舒曼钢琴协奏曲也是对蜜拉而言别具深意的一部作品－这是她1912年2月20日与孟根堡〈Mengelberg〉指挥阿姆斯特丹音乐会堂首演的曲目，也是她与皇家爱乐〈1916年3月13日，皇后厅〉首度合作的曲目。她录过两次音，第一次是与Walter Goehr录于1937年〈「任何有耳光的人，都无法不从她的伟大艺术气质中，学到终生反复回荡的课题。」－Gramophone〉。第二次则是1952年12月22-23日，与Rudolf Schwarz录于Abbey Road录音室。「无疑的，」观察入微的唱片指南Record Guide〈编订版1955年伦敦〉编辑Edward Sackvile-West和Desmond Shawe-Taylor说：「不管是否有其它当代钢琴家演奏第一乐章降A大调乐段，能像蜜拉女士一样富诗意，但是当如梦似幻的单簧管呼应蜜拉演奏的钢琴乐句汩汩流泄时，那是一种全然升华之感。不谈其它，光就是它这点浓厚音乐感，就让人想永远珍藏它。蜜拉女士演奏的装饰奏〈cadenza〉，就像在即兴弹奏一样自然。卓越的技巧使她演奏的间奏曲有种亲昵的感情，是其同侪无法与之相比的，例如肯普夫、李帕第...」无论如何，海丝过于从容的终乐章，不自然的速度波动，相较作曲家标注的二分音符72拍速度差距超过百分之十，这是有点让人无法接受的，因而它得到的评语是「过慢的拍子让人忍不住发噱。这样既破坏了乐曲动力，也模糊了听众注意力。」

在她为数不多的唱片中〈她有「麦克风恐惧症」〉，蜜拉最自豪的是《狂欢节》〈1938年发行〉和贝多芬的Op.109〈1954〉。「The Record Guide」 〈1951〉评论前者「有杰出的作品」，但「或许缺乏速度稍快的1929拉赫玛尼诺夫或1939年阿劳版〈当时已绝版〉中的冲击力和光辉」。排开海丝与拉赫玛尼诺夫的少许共通点〈强化低音部、反复的多变处理偶而左手音色处理相同〉不谈，他们二人的诠释方式可说有天渊之别，拉赫玛尼诺夫狂暴、敏锐，带着炽热、漫不经心、神经质、狂热的想象力。她则拘谨、有礼、音质干净崇高、倾向「尤塞必斯」〈译注：Florestan和Eusebius是舒曼的两个化名，前者狂野，后者拘谨〉个性。拉赫玛尼诺夫像柯尔托〈1928〉，将情境转化为隐含的穆索斯式狂想。弹奏肖邦时，他省略谱上的回复记号〈dal segno〉；海丝则注意并强调它，用柔音踏瓣〈una corda〉和弹性速度来装点反复乐段的色彩。在演奏较光采的快板作品时，拉赫玛尼诺夫用小节线做为脉动单位，她则细分到以拍为单位。他的舒曼《蝴蝶》和《相逢》亢奋而富爆炸性；她的则只比舒曼原注速度稍快些许。他手中的音符狂暴而任性，她手上的则是宽广而安定。