NEW AGE 哪几张碟比较好？ [复制链接]

说实话，现代音乐的分类有时候真是让我头疼。因为世界知识的交叉和融合越来越严重。很多时候欧美的音乐很难分清他到底属于什么。这是从小就困扰我的问题，但是后在我发现在欧美他们也并没有把音乐分的那么清晰。最明显的是我记忆中有一届格莱美就把年度最佳摇滚歌曲和年度最佳流行歌曲颁给了同一首歌。
但说到最后终究还是有一个分类的问题。国内的分类虽有定义，也很含糊。最后我的做法只能是信任欧美了，毕竟是人家的音乐，分类也是人家定的。所以后来我就完全信任美国最大的音乐评论网站AMG了，因为微软也很信任他们，媒体播放器的资料也来源于他。
在这个网站中，每个音乐家有属性Genres，风格Styles两个特征。属性的特征每个音乐家只有一个，也就是总的分类每个音乐家只能从属一个。但风格就有很多种。这是可以理解的，比如Richard marx是摇滚歌手，这不容怀疑。但他的音乐风格里包含流行(pop)，大家也都把right here waiting当流行歌曲来听的。
AMG的属性分类大体分为New age,world,rock,classical,easy listenign等很多种。enya 和enigma都归在new age 下面，只是enya的风格里面也包含了world.

关于New Age
　　60年代末期，德国一些音乐家将电子合成器音响的概念融入原音演奏或即兴表演方式，启迪了许多新进音乐家运用更多元的手法开拓新的领域。该时期的音乐己具备了New Age的发展雏形。到了70年代，在一群艺术家的不懈努力下。New Age得以正名，他们把这种非流行、非古典、具实验性质的乐风取名为New Age，它指的是一种“划时代、新世纪的音乐”。90年代的今天，New Age音乐呈现出了更多样化的风貌。乐界已形成一股百家争鸣、各拥其妙的新势力。正因如此，New Age不只是一个单纯界定乐风区别的名词，而是象征着时代的演进、形而上精神内涵改良的世纪新风貌。
到底New Age要怎么去形容呢？就以古典音乐中的“四大要素”来归纳出New Age的特性吧！

　　1．节奏：
　　New Age的节奏很多是存在于音乐自然的律动与音符的强弱之间。其实，大部分NewAge之所以要摒弃传统的节奏，是因为有了鼓、贝司与打击乐器，音乐的形态就会被限制死了，而New Age是自然而自由的，有着风一般的流线姿态。

　　2．旋律：
　　New Age的旋律就与流行乐完全不同，其即兴演奏的味道很浓。聆乐者不仅很难记住旋律，而且更不知道旋律会在什么时候、什么地方终止。这也就是New Age音乐结构赋予大家极大想像空间的原因之－。

　　3．和声：
　　New Age所用的和声大部分是相当和谐的，不协和音在New Age里使用甚少。这也是为何New Age听起来予人非常祥和之感的原因。

　　4．音色：
　　New Age的音色是透明的、神秘的，充满朦胧氛围，老实说，听New Age听到深处时，最大的享受之一便是音色的变幻。

　　除了这音乐的四大要素之外，New Age最大的魅力就是赋予聆听者一个极大的想像空间，你可以不受形式限制，自由地在无限的想像空间中驰骋。
New Age音乐既然有这些特质，当然也可依使用乐器的不同、旋律题材的来源、乐 思的不同而分为好几类。以下，我将以Patti Jean Birosik所着「The New Age Music Guide」一书的分类为主来为读者们讲述New Age音乐的分类。当然，这些分类难免有些 嗳昧不明的部分，有些艺人还脚跨好几项。不过，它总算可以作为一个读者欣赏时的大 纲。 　　

<中西合璧>

在New Age音乐中，有许多是利用东方乐器、东方哲思、东方主题、旋 律来创作音乐的，当然，这些东方的素材早已与西方的音乐融为一体。譬如Lou Harris on的「心经」便属此类。此外，喜多郎、Lucia Hwong亦 然；还有Harmonia Mundi所出 David Hykes 的「倾听太阳风」也是。　

<电子合成器>

这类New Age音乐非常的多，通常是创作者一个人从头到尾包办一切 。从简单的乐思一直到复杂的混音完成，他都可以藉由电子 合成器、电脑的帮助之下完 成。像Yanni、 Vangelis、Jean Michel Jarre、Brian Eno、 Richard Burmer等都是。
<环境／自然之声>

专门在大自然里录制一些风声、鸟声、水 声、雨声、动物呜叫 声等。这些音乐已成为促使身体健康的音乐，能够让人好象置身大自然中，舒解工作上 的压力。像Aki Domo、 Lou Judson、Tony Welis、Andrew White等 皆是。 　　<民谣> 从民谣素材中衍生的New Age音乐，它包括各种的民谣乐器，通常吉他、笛 子、竖琴等占了这类音乐很重的份量。像Windham Hill当家的Willian Ackerman就是。

<爵士/Fusion>

这方面的音乐由于涵盖的音乐很广，因此音乐的风貌很丰富，比方 说，Night Ark与 Peter Kater都是属於此类。 <瞑想音乐> 这类音乐早在New Age音乐被「定义」以前就存在了，不过现在却列入 New Age音乐的一支。当然也有人不赞同这种分法，不过我们不必将这个分类看成刀切豆 腐般的决然。事实上，Nightingale（夜莺）唱片公司就被分于此类中。 　　<美国本土以及土着音乐> 关于这栏，有许多艺人的音乐与我们通称 的New Age音乐 不尽相同。R. Carlos Nakai倒是一个典型的例子。他自己是印地安人， 他所演奏的乐 器是印地安笛；他的旋律来自印地安的传统曲子。不过，听起来仍有New Age音乐的味道 。 　　

New Age Pop严格说来，已经有些违背New Age音乐的「立国精神」，它可说是介於 New Age音乐与Pop Music之间的音乐。American Gramaphone的Checkfield就是一个代表 。 　　

<前卫音乐>

通常，比较实验性、比较难理解的New Age音乐都会被归於此类，而且 以电子音乐居多。像Cusco、Mike Oldfield、以及 Tangerine Dream的Klaus Schutz都 在其中。 　　
不过，American Gramaphone的Mannheim steamroller也被列在其中就令人有点不通 了 。因为他们的音乐通俗好听的很。

<健康音乐>

如前所述，这里所列的艺人几乎都以创造对健康有益的音乐为职志。S teven Halpern 就是一个代表。　　

<太空音乐>

顾名思义，这类的音乐一听就有置身太空的感觉。它们绝大部份是以电 子合成器来表现。TAS榜上的Hearts of Space唱片公司所出版的音乐就是一个典型。

<传统型>

凡是与传统音乐、思想沾上边者都会被列在这项中。像喜多郎、Paul Ho rn、甚至 Paual Winter都在其中。
转贴

看看国内人写的东西，尤其是第二篇中“90年代以后，美国《公告牌》开辟的新时代（New Age）音乐排行榜，为世界音乐的发展提供了一个广阔的空间，不同风格、不同形式的世界音乐开始如雪花般满天飞杨。”倒像是world音乐从属于new age音乐。总之是看他也分不清。

初次听newage其实可以听这张
[upload=jpg]uploadImages/2003751250028625.jpg[/upload]
《Voyage（音乐旅程）》

华纳并购EMI，给国际唱片业带来空前的震动。此举不仅使华纳成为目前全球唱片工业最庞大的“旗舰”，更使其音乐资源如巨川汇大海，一下子凝聚出如虎添翼的强劲实力。这张超重量级的新音乐集锦CD，即是重组后的华纳集团，将旗下的New Age、World Music以及各类新派音乐代表的新老佳作荟萃一碟，同时施以24Bit重新混音和HDCD编码，为身处新世纪的音乐迷和Hi－Fi发烧友献上的一场豪华绝伦的响宴。

搭乘华纳的这艘“新音乐巨轮”畅游世界，你可以藉着美妙动人的音符、奇幻震撼的节奏，从地球的一端走到地球的另一端。在这个音乐旅程中和你相伴的，既有十分熟悉的声音，也有比较陌生的名字。不过，16首源出不同民族和文化的音乐，虽然意念各异，五光十色，但整体风格却相当完整，无论音乐内涵、可听性以及录音效果，堪称曲曲犀利，不容抗拒。它们统统没有古典的沉重，也没有流行的媚俗，却都有一个共同的特质，那就是，突破传统和穿越时空的巨大力量！

第一首是爱尔兰女歌手Enya的成名作“Orinoco Flow”。

如果要领略由歌曲而带给您的一份出尘脱俗的气氛，就一定要听女歌手Enya的作品！恩雅的天籁之音相信早已将你彻底征服过，这位几乎迷倒全世界的爱尔兰“仙女”的唱片总销量已过千万，理所当然地被华纳祭出，以一首“Orinoco Flow”第一个出现在这张CD中。

Enya原名叫Eithne N. Bhraonain，她的父亲Leo Brennan是一支爱尔兰民谣乐队的领队，并且母亲也是业余的乐手；Enya自小受到音乐的熏陶，并显现出一定的天份。1979年，Enya加入爱尔兰一著名的家庭乐队组合Clannad任键盘手，并且还为许多电视节目配乐；到了1982年，Enya发觉流行方向更加适合她，便毅然离开乐队独闯天下；刚开始时，Enya并未受到瞩目，直到1988年她推出《Watermark》大碟，碟中一曲“Orinoco Flow”，将她那种清悦如仙女下凡的演唱感觉完全散发出来，此曲也成为Enya奠定基石的作品，并将当代凯尔特音乐带入了流行层面。

由八十年代进入九十年代，Enya的份量依然受到认同，并且被“格莱美奖”提名，其音乐风格和路线，已被完全肯定。唱片在全球总销量超过千万张，是叫好又叫座。

第二首是Enigma的“Sadness”。

而来自德国的Enigma也曾为老东家EMI赢得过万千乐迷，其经典名曲“Sadness”集Hip－hop与中古宗教色彩与一身，是Gregorian-chant的绝对示范。

在九十年代初期，就由Michael Cretu这位化名为Curly M.C.的德国多元化乐手，以一曲“Sadness”带出一种带有中古宗教色彩的音乐路线，这就是Gregorian－chant music（格里高利圣咏音乐）。其实，Michael Cretu早在八十年代便已在欧洲甚至亚洲多国大受欢迎，他撰写及演奏的Moonlight Flowers被公认为电子抒情音乐的经典，1990年推出MCMXC A.D大碟，碟中一曲“Sadness”就将Gregorian－chant这名词带入流行市场，在英国成为冠军。细心去品尝“Sadness”此曲，你会发现作品里有不同层数的键盘乐做音乐主线，甚至在曲中已带出今日hip－hop的味道，并且将僧侣的声音透过音乐引发出来，带出一种浓郁的中古时代的冥想气息；“Sadness”此曲绝对是Gregorian－chant风格的典范作品，直到今日乐评人也以此曲作为界定。用音乐带领乐迷进入时光隧道，成功者不多，但Enigma绝对是成功者的代表。

第三首是日本的newage大师喜多郎（Kitaro）的“Matsuri”。

亚洲流行乐手能够在欧美乐坛站稳阵脚，并且加入外国唱片公司打出成绩的，例子少之又少，而今喜多郎（Kitaro）就是难得的一位。喜多郎的名字又是大家不陌生的，这位在西方站稳脚跟的日本音乐家的作品极具冥想意境，并具有如晨钟暮鼓般的大气势，要认识喜多郎这个人，最直接是由他极富冥想的音乐开始，但喜多郎独特之处就是音乐部分处理得很有旋律起伏。喜多郎用音乐奏出他的长发和内心。九十年代后，他在美国发展，加入一家美国唱片公司，并于1991年推出一张《Kitaro Live In America》大碟，本片收录的他在美国亚特兰大现场音乐会上实况演奏的“Matsuri”便是这张大碟的高潮。在本片中经24Bit和HDCD重新处理，“Matsuri”惊天地、泣鬼神的“太鼓”猛击，效果摧人心肺，俨然也是本片中的焦点曲目。

第四首是Deep Forest的“Sweet Lullaby”。

来自法国的Deep Forest于1992年由两位键盘手Eric Mouquet和Michael Sanchez组成，擅长在抒情电子演奏风格中混合大自然的环境音响，带出Deep Forest的独特音乐风格。1993年推出首张同名大碟，乐评人喻此碟是Deep Forest从多方面元素结合出的一张突显非凡影响力的流行/意念唱片，其中的这曲“Sweet Lullaby”，亦成为近代techno/ambient house音乐示范作品。

第五首是Beautiful World的“In Existence”。

这支名为Beautiful World的组合其实就是Phil Sawyer这位在英国长大的音乐人的“美丽世界”。他曾组成Fleur de Lys、Shotgun Express乐队，加入著名的Spencer Davis Group取代Steve Winwood的位置，又曾成为摇摆殿堂乐队Camel的一员，他的吉他及歌唱份量，公认为有个性且有内涵！Phil亦于早年为英国电视节目配乐，对音乐气氛的推进可以说是驾驭自如。他组成自我意念体系的Beautiful World，就是将他个人的宗教思维，渗入第三世界带出的民族声音，加上由静而动的内心流行曲推动力；在九十年代中，一曲结合英文及法文歌词的“In Existence”推出后，很快令Beautiful World这个名字响亮起来。

“In Existence”是一首令人听得自然投入如触摸到自己内心思想般的New Age作品，功力不凡。

第六首是德国的B－Tribe的“You Won't See Me Cry”。

德国可以说是电子音乐的桥头堡，将昔日那重工业重镇的机械味儿带入音乐感，再发展到人性化的跳舞音乐素材，影响力由60年代到2000年，其代表名字甚多，而且在欧美各地炙手可热！其中一个就是B－Tribe，这其实是德国一位充满创意的录音室工作人Claus Zundelo，抱着一份打破不同音乐死结的决心，制造出的自己的club sound。他将充满flamenco吉他的演奏声音结合ambient感觉，于1994年推出大碟《Flesta Fatal》，而在本片中选入的这曲“You Won't See Me Cry”，此曲就是碟中的普及作品，份量及流行潜质兼备，将一种极富电子影像感的气氛配以人性与动感，十分动听。

第七首是Mike Oldfieldr的“Sentinel”。

人的能力是无法估量的，你可曾想过还有哪个乐手可以像Mike Oldfield一样，在七十年代初期就可以一个人玩几种不同的乐器、分开录音，再在录音室中结合，推出如《Tubular Bells》这样的惊世之作！也任谁也想不到，一张《Tubular Bells》可以令Virgin唱片公司一碟定江山，Mike Oldfield双手创立的音乐世界真的是奥妙神奇。

Mike的音乐发展，可以分成两个时期，天才时代就是《Tubular Bells》开始到九十年代初；而成熟期就是九十年代初加入华纳公司旗下后所出版的作品，1992年的《Tubular Bells II》以叫人从根源中找到他的新思维，在碟中推出的Sentinel在英国取得了极佳的成绩，比《Tubular Bells》第一集更成功。碟内Mike Oldfield一人玩儿出吉他、曼陀铃、班卓琴、钢琴、管风琴、电子合成器......。唱片的一开始就是这曲“Sentinel”，它完全将Mike Oldfield自1973年推出《Tubular Bells》之后一直放在内心的一份深邃音乐感，在曲中的第一个音符中就爆发出来。

第八首是Art of Noiser的“Moments In Love”。

Art Of Noise组成多年，八十年代是他们创作的高峰期，尤其是第一张大碟《Who's Afraid Of ?》 被誉为电子音乐殿堂之作，碟内一曲“Moments In Love”充满了电子舞曲风格，曾作细碟推出，大受好评。三位成员的音乐方向并非一般流行模式，他们将电子演奏与多种元素融合，同时也制造出商业味儿，并且不断创新！

值得一提的是，Art Of Noise的灵魂人物Anne Dudley曾是BBC电视台儿童节目Playschool的钢琴师，随后与女演员Joanne Whalley组成过Cindy ＆ The Saffrons， 并且曾在1983年有过一首英国上榜歌曲。她的多元化音乐感，叫不少一级乐手也慕名找她制作。

第九首是Julee Cruise的“Falling （'Twin Peaks'theme）”。

这位出生于LA Creston的女歌手，声音似不食人间烟火，使人在聆听时产生多层空间的幻想，在乐坛上能有如此份量的歌手并不多见。首张大碟推出之后，Julee于1993年推出了《Voice Of Love》，虽然产量并不多，但绝对都是信心之作。因此，这更加成为了乐迷期待的声音。

第十首是希腊乐手Vangelisr的“Conquest Of Paradise”。

在很多介绍有关音乐的文章中，都喜欢将音乐人的风格定位，但是这种做法有时偏偏叫乐迷不太认同。其中一个典型的例子就是来自希腊的Vangelis，有人将他归类为New Age，但大多数乐迷都认为这是不尽详实的，因为Vangelis音乐以前卫的音乐概念，史诗般的慑人气势，向学院派的电影音乐创作展示了崭新的意念。它带给我们的感觉，就是一个无际的音乐国度，这也是一位有着出色意念的音乐人的特质。

Vangelis原名Evangelos Odyssey Papathanassion，1943年出生于希腊。六十年代初，他在希腊自组乐队，成为当地的一支流行组合。到了1968年，他移居法国，与另外两位音乐人Demis Roussos和Loukas Sideras共同组合成了前卫乐队。到了七十年代，Vangelis与Yes的歌手Jon Anderson组成了Jon And Vangelis，带出一份清新而前卫的音乐感觉，当时人们已经很难对Vangelis的音乐进行定位了。到了1982年，Vangelis为电影《Chariots Of Fire》配乐，结果赢得了奥斯卡——“最佳电影歌曲”奖。如果你是通过《Chariots Of Fire》而认识Vangels，这绝对是不够的，因为在1992年，他为Ridley Scott执导的影片《1942》中的主题曲“Conquest Of Paradise”配乐，从而使电影的音乐概念完全体现出来，成为不少音乐学院的经典教材。在“Conquest Of Paradise”中的那种史诗般的气派，完完全全是慑人的感觉，精彩绝伦。

第十一首是中国著名歌手朱哲琴（Dadawa）的经典之作“Sister Drum 阿姐鼓”。

1995年，华纳唱片成功的将一张完全由中国制作，份量叫外国人也竖起大拇指的New Age唱片推向全世界，这就是朱哲琴的大碟——《阿姐鼓（Sister Drum）》。作为最成功的中国New Age制作，何训田/朱哲琴的“阿姐鼓”亦被收录进这张唱片当中，录音之震撼更是令发烧友的大拇指竖到酸痛。经重新混音制版后，”阿姐鼓”的“爆灯指数”更为大增，低频之霸道分分钟令听家的音响系统折寿！

其实，朱哲琴在国外早已被人所熟知，Billboard杂志也是早就对朱哲琴作过介绍。1996年朱哲琴到法国康城进行演出及宣传，令外国人眼中的中国音乐，不再只是传统的中国民族音乐，也不只是只有愤怒的摇滚，而是有着清新而且充满内涵的意念制作。朱哲琴其实是作曲人何训田的音乐构思，加之国内多位出色音乐人的配合，将一种充满乡土质朴的自然声音，配以女歌手朱哲琴动听的哼唱，从而带出《阿姐鼓》大碟。从国外音乐的分类上，Dadawa朱哲琴被归类为New Age，但其实从何训田的音乐意念上，是融合了活生生的民族音乐精粹，所以怎能以一个简单的类别去界定呢！“阿姐鼓”一曲尽显了创作人无限的意念。

第十二首是澳大利亚乐手Middle Kingdom（Noel Quinlan）的“Hong Ding Love Song”。

Noel Quinlan是一位澳洲人，他曾长时间在香港乐坛发展，并且对亚洲各地民族音乐非常感兴趣，他利用电子琴和合成器，将那种“外国人眼中的中国观念”活生生的用音乐表达出来。就如这首中国民谣“康定情歌”的改编曲曲调悠扬，充满欧陆和中国音乐感，使人听起来感觉耳目一新。它在保留原曲原味的同时，那紧扣悠扬旋律的现代曲风，让国内许多音乐行家都自叹弗如。

第十三首是已故的以色列女歌手Ofra Haza的“Im Nin' Alu”。

我们经常会说：“音乐是世界共同的语言。”但现实中，有很多国家的音乐仍然经常被埋没。其中如以色列这个地方，如果不是Ofra Haza这位女歌手在世界乐坛上的出色表现，我们可能至今仍然对以色列的音乐感到迷惑。但可惜的是，Ofra Haza因感染艾滋病于2000年2月23日离开了这个世界，年仅41岁。

Ofra Haza1959年11月19日出生于以色列的Tel Aviv。她十二岁便开始演唱，但在七十年代中期，由于政治因素，被征入以色列军队，经过了两年的随军演出兼服役后，于1979年开始个人音乐事业的发展，随即在以色列走红，并且在邻近的地方如阿拉伯等地也受到了欢迎。1983年，她代表以色列参加了“全欧歌唱大赛”，以一曲《 Hi !》 取得了第二名的好成绩，并且打入了欧洲市场。其实，Ofra Haza的音乐根源是一些十六世纪的音乐，这些音乐是由她的母亲引导她听的。她将这些风格加入到她自己的作品之中，产生了一种神奇的效果。

第十四首是Dario G的“Sunchyme”。

Sunchyme是一首极有舞曲味道又有独特风格的歌曲，此曲1997年在欧洲非常走红，细碟成为英国榜第2名，并且此曲的音乐电视也获得了当年Brits Awards的提名。除此之外，此曲还打入了美国的舞曲榜单，成为第1名。

“Sunchyme”于1997年在曼彻斯特的 Kiss 102台首播，当日就收到了大量听众要重播此曲的要求，故一天之内重播了七次；随后当地著名的DJ Pete Tong 更是将此曲选定为他所在的星期电台节目的配乐。此曲是真正的份量十足，非听不可！

第十五首是Rashni Punjaabi的“Chant Of The Magic Flute”。

在大多数外国乐迷的眼中，东方音乐是充满神奇色彩的。其中，特别是中国和印度两大版图的音乐色彩，更是被认为极具文化之源，并且未被完全开发。中国和印度的乐手往往所抱的是一种艺术家独来独往的态度，尽管他们有的被欧美唱片公司看中并且签约，但是他们仍然对自己音乐发展保持低调的态度。在他们心中，音乐是属于自我内心的，他们不想用过分宣传来示人，以免公司将他们的作品市场化。例如，这位Rashni Punjaabi的印度乐手，就是一位极少作宣传，非常自我的意念音乐创作者。如果想了解他，只需聆听他的音乐就可以了，音乐以将他的轮廓表达了出来。

第十六首是Robert Miles的“Children”。

在瑞典出生的Robert Miles，在九十年代以一曲“Children”大受人们瞩目。当时他强调用旋律打破乐坛上的旧柜框，结果大获成功。“Children”在动感舞曲中带有X-Files悬疑色彩，全曲由键盘而带出无可抗拒的流行张力，席卷了欧洲多个国家，取得了极大的成功。此碟更被誉为是“全欧史上最畅销跳舞细碟”，Robert Miles 也因“Children”一曲而声名大噪！

以上便是对“Voyage”这张唱片收录的每一首作品的详尽介绍。无疑，这张唱片在收录的曲目上是非常精彩的，可听性极强。除此之外，此张唱片还是一张以24bit数码混音，HDCD制式的示范级唱片，音质及音响效果均表现绝佳，碟中的每一个段落几乎都展示了当今录音室制作的最高水准，玩尽了录音师们最神乎其技的混音手法。神奇的音色，如幻像般的音场，风动裤管的低频，劲到令人胸闷和胃痛的大动态轰击，均可给任何人以从未经历的听觉体验。一定让拥有大口径低音单元的Hi-Fi玩家过足烧瘾！

这张集时尚、烧爆和收藏价值于一身的精品唱片，不容错过，绝对收藏。
(引用)

audio 在 2003-7-5 11:36:01 发表的内容 我想请教闲云野鹤兄，专辑名因何而译作《公元1990》？

请教不敢当,这张专辑名字为MCMXC A.D.,MCMXC是指罗马数字1990,A.D.大家都知道,是公元的意思.所以公元1990是直译.

世界音乐解说  
  
　　世界音乐（World Music），一种多元文化的混合、三种不同音乐的结晶，为流行音乐的发展带来了一次巨大的腾飞。从概念上分析，世界音乐可以有两种说法：一种是广义的世界音乐，泛指世界各国的民族音乐；另一种是狭义的概念，即本文的主题，民族音乐、传统音乐与流行音乐相结晶的混合体。自二十世纪八十年代以来，世界音乐的概念在流行音乐中不断的得到提升，慢慢地它变成了一种国际流行音乐的发展趋势。

　　世界人民在创造生活的时候怎么也没想到，他们的内心独白和生活体验竟然在流行音乐的发展历程中留下了一笔光辉历史。这就是生活中的民间音乐元素在世界音乐中的地位。可以这么说，只要世界音乐脱离了民族元素，它的概念便烟消云散了。打个比喻，假如世界音乐是一个产品，那么民族元素就是原料，传统的创作手法就是工艺流程，而现代的流行音乐制作模式便是生产方式，鉴于这样的结合，世界音乐的发展潜力我们就可想而知了

　　二战结束以来，世界音乐首先在非洲找到了广阔的天空，而此时，美国流行音乐占据着整个世界，但是所有的这些美国流行音乐形式，实际上大部分都是非洲血统的基因转移，是贩奴时期流传到北美的节拍。然而，当这些原始节奏稍略加工以后以新的形式回到他们的故乡（非洲）时，又影响了曾经孕育他们的文化并促进了世界音乐的生成。80年代，世界音乐又体现出了对流行音乐的极大影响。有趣的是这种影响却是一种循环的关系：非洲的黑人文化作为流行音乐的源泉这是有目共睹的，贩奴时期黑人文化流传到北美以后便在美国的土地上生了根又发了芽，因此，美国流行音乐得到了飞速发展；然而，当这种美国形式的流行音乐返回非洲时，给非洲人民带去的第一印象便是一种似曾相识的亲切感，于是他们再次将原始的民间元素与其结合，这种黑人文化与美国流行音乐的再次结合又促使了世界音乐的生成；当80年代世界音乐的影响逐步扩大时，世界各地（特别是亚非地区）的流行音乐家便以此为参照通过各种先进的手段充分的体现了更加前卫的当代意识，从而返回来又促进了流行音乐的发展。由此可见，世界音乐的发展并不是孤立的，它是一种群体意识的体现，更是多种文化的结晶。

　　1990年，德国的著名制作人迈克尔·克里图（Michael Cretu）又为世界音乐的概念作了一个完整的诠释，那便是“英格玛”（Enigma，一种概念性的世界音乐）的诞生。一种通过流行音乐节奏表现出来的圣歌，一种遥远而神秘的原始部落和宗教回声。他把三种截然不同的声音--秘鲁的排箫、修道院的圣歌、懒散的迪斯科节奏放到了一起，同时还运用了笛子、电吉他、铜管乐、管弦乐队、中世纪的圣咏以及古老的北欧民族曲调，让人一看眼花缭乱。但是成功的原则往往就在于创新，克里图的试验成功了。一种新的声音，一个世界音乐的代名“英格玛”成功的被世界人民接受了，此后世界各地更多的音乐家也纷纷的开始领悟起了世界音乐的真正含义。

　　90年代以后，美国《公告牌》开辟的新时代（New Age）音乐排行榜，为世界音乐的发展提供了一个广阔的空间，不同风格、不同形式的世界音乐开始如雪花般满天飞杨。比如：印度的音乐家将他们的印度教教会歌曲通过世界音乐的形式充分的展现了宗教的神圣；中国作曲家何训田先生成功的将西藏音乐（代表作品：《阿姐鼓》）推向了世界；等等。

　　世界音乐的形式慢慢的变的模糊了，但是它的概念却因此而变的明确了，音乐的时代性、独创性和融合性成了它的标准。所以可以这么说，只要人类不失去生活和想象的能力，那么，世界音乐的火花永远都不会熄灭。