： 音乐的组成要素
音乐被称作是“声音的美妙组合”。音乐主要由6个要素组成﹐即﹕节奏（Rhythm）﹑旋律（Melody）﹑结构（Texture）﹑曲式（Form）﹑音色（Tone Color）﹑调性（Tonality）。
(一) 节奏
节奏是音乐的一个方面﹐它包括了与乐音向前进行有关的所有因素（如重音﹑节拍和速度）。当人们在听音乐﹐会不由自主跟着节拍摇摆这就是节奏﹐它表现了曲调的快慢缓急。节奏的一个要素是节拍（meter）﹐它的定义是“系统地测定和安排的节奏”。节奏的另一个要素是速度（tempo）。节拍说明什么是重音﹐但并未说明奏出这些重音的速度是多快或多慢。常见的表示节奏述语有﹕广板（Large）﹑非常缓慢庄严而缓慢的（Grave）﹑慢板（Lento）慢速﹑柔板（Adagio）﹑行板（Andante）﹑小行板（Andantino）﹑中板（Moderato）﹑小快板（Allegretto）﹑快板（Allegro）﹑很快的快板（Allgero molto）﹑轻快的（Vivace）﹑急板（Presto）﹑最急板（Prestissimo）。节奏的运用对音乐的影响极大。
(二) 旋律
旋律是由连续演奏的一些音符所造成的﹐旋律是音乐所要表达的意思同﹐它是人们想要听的东西。从技术上讲﹐人们可以创造出两个音符的旋律﹐我们可从二种不同种类鸟的叫声中可以听到两个单音。人们不用任何其它声音﹐也不用任何伴奏﹐就可以哼出﹑唱出﹑吹出这两个音来。旋律历来以一个特定的音为中心﹐这个直是起始点﹑核心点和结束点﹐一首曲子中的其它音都与它有联系
掌握某些音乐作品中的旋律较容易一些。与海顿的交响曲的古典旋律相比﹐舒曼的交响曲的浪漫旋律更加热情奔放﹐抒发个人感情。一首成功的作品不必采用很强的旋律﹐但是动听的﹑容易哼唱的旋律﹐总会给予普通的外行听众更多的欢乐。许多没有研究或分析过音乐的人﹐很容易被擅长旋律的作曲家的曲子所吸引。
(三) 结构
旋律是横向的﹐音符一个接着一个﹐而结构是附加在这个音符线上的东西。取得结构的一个方法是使用和声（harmony）。一个人不能给自己的声音配上“和声”﹐他需要一位朋友与他一起唱﹐或者需要一把吉他来弹拨﹐有了和声使乐曲具有深度﹐旋律是一连串乐音﹐而和声却是同时响起的乐音。
结构中的和弦（chord）是指同时发出三个或三个以上的音﹐它在和声中扮演重要角色。和弦不仅涉及到每个和音以及每个和音同它所配合的旋律之间的关系﹐而且还涉及到和音的律动和彼此的关系。
在用旋律加和弦构成的音乐作品中﹐和弦往往是由“协和”（consonant）音﹐即听起来悦耳的﹑平和的﹑不刺激人的﹑稳定的乐音所组成的。但是和弦也可以用音级不断变化﹑确实刺耳的乐音──即“不协和的”﹑“活跃的”﹑“不平稳的”乐音所组成﹐这种不协和的和弦被作曲家用来制造紧张状态﹐而协和的和弦则被用来缓解这种紧张状态﹑从一个和音到另一个和音的前后律动﹐就是和声的全部内涵。
(四) 曲式
曲式被称之为作曲家选择的‘建筑”形式。音乐需要一定的结构﹐音乐的每一时期都体现了特定的音乐形式﹐反映出时代的特色﹑对音乐知识的理解﹑作曲家的技巧和所要达到的目的﹐以及听众的欣赏品味。
音乐的结构或模式可以是严谨的﹐也可以是自由的。作品采用严谨的曲式并不说明作曲家缺乏想象力或独创性﹐如巴赫﹑莫扎特和贝多芬的作品就是如此。问题不在于采用什么曲式﹐而在于赋予曲式什么内容。对于业余音乐爱好者来说﹐那些作品模式﹑结构或曲式不正规的音乐不但难以跟上思路﹐而且不容易理解﹐这个道理就同我们欣赏抽象派雕塑和无韵诗时的情形一样。
一些主要的曲式名称﹐如交响曲﹐因其仍在流行﹐所以人们一般都知道﹐但一些较古老的曲式人们则比较陌生。音乐界人士喜欢说﹐不论采用什么曲式﹐音乐作品结构的基本法则是重复和对比。“曲式”一词还将包括如歌剧（opera）﹑神剧（oratorio）﹑弥撒（mass）和清唱剧（cantata）等声乐艺术形式。
(五) 音色
音乐演奏中所使用的每一件乐器都有自己的音色。例如﹐长笛的音色与大号就不相同﹐即使这两样乐器演奏完全一样的音符。例如一个管弦乐团中有几十件各不相同的乐器﹐它们就像美术家调色板上的色彩一样多﹐这些音色在配器法中起重大作用﹐配器就是为管弦乐团作曲的方法。
俄罗斯浪漫主义作曲家里姆斯基科萨科夫﹐他说﹕“配器是作品灵魂的一部分。一首为管弦乐团想出的作品﹐是离不开某些音色的”。音乐界人士有时喜欢把各种音质等同于特定色彩﹐如竖笛能发出一种类似柔和蓝色色调的声音﹐而小号发出的声音则像火红的色调......。
各种乐器有音色不同﹐其个性的表现则更这突出﹕
小提琴──表现所有情感
中提琴──表现浓浓的愁思
大提琴──表现所有情感﹐但比小提琴所表现的更加强烈
短笛──表现狂欢
双簧管──表现质朴的欢乐和悲怆
小号──表现大胆﹑勇武和骑兵渐近的声音
大号──表现力量和粗扩
英国管──表现朦胧的愁思
竖笛──在中音区表现流畅和温柔
浪漫主义时期的作曲家的作品则更注意音色﹐在讲述故事﹑描绘心境或事件的音乐上﹐充分利用现有的﹐或者有可能得到的乐器的不同声音的音色来表现。
(六) 调性
调性对于业余音乐爱好者来说较难理解。当我们拨动一根弦受到拨动时﹐它会发出固定领率的声音﹐发声时这根弦的每秒振动次数相等。钢琴的最低音每秒振动30次﹐最高音每秒振动40次。不论琴弦长短﹐经拨动后它所发出的声音和其一半或两倍长的琴弦发出的声音几乎一样﹐这两根或短或长的弦分别发出高于或低于第一根弦所发出的声音﹐但三根弦的音却是相同的。钢琴上的一个音﹐如Ｃ音﹐即能在键盘的高音部找到相同的高音己也能在低音都找到相同的低音Ｃ。数百年前﹐西方作曲家把一根弦的长度分成12段。虽然在小提琴上看不出来﹐但却能在钢琴上找到代表这个12个音的7个白键和5个黑键﹐这12个健代表了传统西方音乐使用的12个音。每个键﹐不论白键还是黑健﹐都与相邻的键相差半音。
大家都知道﹐7个白键分别是由字母表上的前7个字母的名称命名的﹐从Ａ到Ｇ。每个突起的黑键有两个键名。当它处于比白键高的位置时﹐称为升半音﹐反之称为降半音。因此﹐在键盘图上升Ｃ和降Ｄ是同一个黑键。这个键盘图还说明﹐钢琴上的五个白键﹐即Ａ﹑Ｃ﹑Ｄ﹑Ｆ﹑Ｇ﹐它们的右侧都有一个升音的黑键﹐而其它两个﹐Ｂ和Ｅ﹐则没有。两个毗邻键之间的音差仍是半个音高﹐不论它们是白白﹑白黑还是黑白相连怕永远不会出现黑黑相连的情况）。因此﹐Ａ键（白键）和Ｂ键（白键）之间相差一个全音﹐因为中间有一个黑键。而Ｅ键和Ｆ键﹐虽同为白键﹐但只相差半音﹐因为中间没有黑键。一位钢琴家从白色的Ｃ健开始弹奏﹐并且只用7个白键﹐我们会听到熟悉的“do-re-mi-fa-sol-la-ti-do”自然音阶。由于他选择了 Ｃ作为起点﹐并且只用这几个键弹奏一个曲调﹐加上和弦﹐那么这首曲子就是“Ｃ大调”乐曲。Ｃ大调和其它调不同﹐仅包括白键﹐如果他仅弹奏白键﹐那他就是“完全忠于调性”﹐他没有“放弃”或“失去”调性。他的作品将以他选择的音阶的第一个音为中心﹐在本例中﹐就是Ｃ。这个Ｃ音是“主音”。“调性”反映了属于一个调的和弦与和声的关系。
