《JAZZ》乐全面睇！！！！！！ [复制链接]

蓝调（Blues）

　　作为爵士乐诞生的直接催化剂，决定了其基本歌曲结构的蓝调音乐不得不提。这种起源于19世纪晚期的音乐糅合了非洲式的田野呐喊和教堂唱诗般的甜美歌声，最初并无伴唱，之后才有了提琴、吉他或者班卓琴之类的单一乐曲伴奏，产生了器乐与歌者交替的表演形式。

　　20世纪初，这种音乐形式发展为3行12小节的格式，这种格式后来成为爵士乐以即兴发挥的蓝本。与爵士相比，蓝调的音乐形式较为初级，但却也非常精彩。W.C.汉迪被称为“蓝调之父”，写出了许多知名的蓝调音乐，女歌手贝茜·史密斯的首张专辑《灰心的蓝调》也在当时乐界创下一段传奇。

　　蓝调的产生源于一种忧伤、挫败的心态，它富于表情，重感官感受，无论思考、演奏、歌唱或者扮演任一种形式都可归入蓝调的范围。不过爵士乐手们谈及蓝调时，通常是指的是12个小节、每4小节一组，并以和弦伴奏的音乐形式，这同时也是爵士乐最初的结构面貌。

　　拉格泰姆（Ragtime）

　　拉格泰姆实际上是和爵士乐同时发起的一种音乐风格。“Rag”作为一个名词，是用来定义这种音乐创作的形式的，它在结构上借鉴了欧洲军乐队进行曲的曲式，在节奏上取用了黑人班卓琴音乐的特征。“Rag”作为动词，则表示不断地变换曲子的节奏来形成鲜明的切分和碎拍的感觉。最纯粹的拉格泰姆音乐完全放弃了即兴，通常由钢琴家独自演奏。

　　从1899年Scott Joplin（1868-1917）创作《Maple Leaf Rag》到一战爆发前夕，拉格泰姆一直是美国流行音乐的主要潮流，在1890～1920年间，不仅有拉格泰姆乐队、歌手、班卓琴手，而且已经开始出现能即兴演奏的拉格泰姆钢琴手了。许多现在被我们称为是爵士音乐家的乐手会称自己是“拉格泰姆”乐手，而且一些学者也把拉格泰姆称为是最早的一种爵士风格。然而，由于拉格泰姆只是有限程度上的即兴，并且它唤起爵士摇摆感的程度也很有限，还不能被称作为是爵士乐的开端。
[upload=jpg]uploadImages/200310913215886659.jpg[/upload]

[upload=jpg]uploadImages/200310913222621984.jpg[/upload]

新奥尔良传统爵士（New Orleans）

　　新奥尔良传统爵士是最早发起的一种爵士流派和风格。自1895年巴迪·伯登成立第一支乐队以来，这种音乐就开始在新奥尔良传播。这种乐风非常多元化，吸收了蓝调、舞曲、进行曲、流行歌曲等多种元素，并以拉格泰姆乐的切分音法为基础，结合大量独奏与即兴而呈现出另一种风貌。

　　在新奥尔良传统爵士中每一种乐器的地位是平等的，并有着严格的导向。通常由小号或短号作为旋律的主导，长号作为和声伴奏，竖笛演奏复调旋律，并由节奏组（通常包括钢琴、班卓琴、吉他、长号、贝司或鼓）演奏固定有力的节奏与之配合。

　　无论从乐队编制或是乐曲本身的音乐元素上来说，这时的新奥尔良传统爵士已经呈现出爵士乐的大体雏形，以后的爵士乐派，都是以此为框架发展而来的，所以说，它是爵士大厦的第一块基石。

　　迪西兰爵士（Dixieland）

　　人们很容易把迪西兰爵士与新奥尔良传统爵士混为一谈，二者也确实有许多相通之处，从某种角度来说，甚至可以认为它是早期美国南方新奥尔良式音乐的分支：迪西兰爵士是1917～1923年间，由新奥尔良、芝加哥等地的爵士好手发展起来的早期爵士乐风，这清楚地表明了它和新奥尔良传统爵士的承继关系。

　　Dixieland的英文原意为“军地露营之地”，声如其意，这种音乐带有浓重的进行曲味道，通常在婚礼、节庆、舞会、游行、酒吧，甚至严肃的葬礼上表演。它的取材大都来自于蓝调、进行曲与当时的流行音乐，许多乐队将乐曲的某一小乐段都拿来做集体的即兴演奏，创造出一种令人振奋的音乐效果。1917年成立的The Original Dixieland Jazz Band是这一爵士风格中的佼佼者，也正是他们的演奏将爵士乐带进纽约的餐厅，从此爵士才真正从南部散布开来，成为一种全国性的潮流。

[upload=jpg]uploadImages/200310913232781552.jpg[/upload]

大乐队（Big Band）

　　所谓的大乐队，泛指编制在十人以上的乐队，大约起源于20世纪20年代后期。新奥尔良的灯红酒绿催生了供人娱乐的欢快爵士，也为这个躁动的城市带来了诸多是非。在政府禁令下，许多在新奥尔良的酒吧从事表演工作的优秀乐手如路易斯·阿姆斯特朗、杰利·罗尔·莫顿等纷纷来到芝加哥等其他城镇，通过唱片或广播电台将新奥尔良传统爵士的曲风散播开来，并在其中加入更多的即兴演奏方式和音乐风格，开始正式进入白人的社交圈，也促成了“大乐队”的诞生。

　　这种以艾灵顿公爵、贝西伯爵、汤米·道西等人为代表的爵士风格通常要求涵盖三支以上的小号、两支以上的长号、四支以上的萨克斯、贝司、吉他、鼓、钢琴等伴奏乐器。虽然大乐队风格在20世纪30年代最为鼎盛，但它的足迹却遍及40年代的波普、50年代的硬波普和冷爵士、60年代的自由爵士、70年代的融合爵士以及80年代的新波普中。

　　摇摆乐（Swing）

　　如果说20世纪20年代是爵士乐的襁褓期，那么30年代盛行的摇摆乐则拉开了爵士流行期的序幕。这种带有黑人风格、活力充沛、热力十足的音乐最早由纽约舞厅的舞客们发展出来，而后被爵士音乐家们发扬光大。

　　弗莱彻·亨德森是这类音乐的开创者，班尼·古德曼则使之大为流行。摇摆乐以较为商业的手法改编乐曲，以和谐的反复旋律、管乐和簧乐相互营造出令人不住摇摆的节奏，后来演变成为歌舞表演伴奏和演奏会音乐。摇摆乐每一小节有四拍，因此又被称为“四拍子爵士乐”。

　　虽然一直以来摇摆乐被认为是为跳舞而演奏的音乐，但其实这一时期的乐团非常注重编曲，独奏乐手们也有相当的空间进行即兴演奏，如果没有这个时代的领班和乐手们对于乐理的研究和即兴的探讨，日后的波普是不可能出现的。摇摆乐在1935～1946年间达到顶峰，以班尼·古德曼的六重奏组最为出色。

波普（Bebop）

　　相对于前面20年的稳步发展，波普的出现无疑相当于是一次革命。“Bebop”一词源出自爵士音乐家在练声或哼唱器乐旋律时发出的毫无词义的音节（或无意义的狂喊乱叫），它的乐句经常在末尾以一个很有特色的“长一短”音型突然结束，而这个节奏又常被哼唱成“里波普”或“比波普”。那些“反叛”的年轻乐手们不屑于大乐团中拘泥的传统摇摆乐风，而转向三五人编制的小型乐团。他们舍弃优美的旋律线条，以比印象派捕捉光影更为快速、更为随兴的演奏方式捕捉瞬间感觉，以至于波普爵士乐手的演奏似乎完全脱离了乐曲结构，剩下的只是—段狂乱的和弦、几段不成调的乐句，或者一次次长不可测的独奏。

　　对于许多从摇摆乐、甚至是散拍时代走来的爵士大师而言，1940年出现的波普爵士乐根本是个错误，然而这种结合了当时美国社会历史背景和冒险的演奏方式不但使爵士脱离了流行音乐以及跳舞音乐，将其抬高到更高的艺术层次，而且在爵士乐即将凋零的关键时期使其获得重生，并寻找到新的命运。波普乐的代表人物是查理·帕克和“晕眩”葛莱斯彼，甚至有种说法认为“Bebop”之名来自他们二人合奏的节奏与旋律声“be-boppity-boppity-boo”。

冷爵士（Cool Jazz）

　　二战结束后，人们开始厌倦紧张刺激的波普，流行音乐和文化重又抬头，爵士乐手也开始寻找新的音乐方向。1949年迈尔斯·戴维斯的首张个人专辑《Birth Of The Cool》中，他在保留波普基本编曲的基础上抛弃了快速节拍、复杂的旋律、和弦和曲调，以其沉静、舒缓、清凉的音色宣告了冷爵士的诞生。

　　相对于波普的热情如火，冷爵士则来得柔顺的多。它代表一种内省的情感，将波普的吵杂喧闹逆转为轻柔与抒情的含蓄情愫；它的音色也不如一般铜管乐器那样亮丽夺目，取而代之的是低回、缓慢、冷静的演奏。冷爵士以西海岸为根据地，因此也被称为西岸爵士乐。洛杉矶许多白人乐手都是冷爵士的代表人物，如查特·贝克、李·康尼兹、盖锐·幕里根等。
硬波普（Hard Bebop）

　　如果说冷爵士是对波普乐的一种疏离，那么硬波普则是对这种疏离的强劲反击。这种粗糙、节奏强劲的音乐重塑了波普的火热感觉，结合蓝调、福音音乐和节奏蓝调的因素将对爵士乐的紧密结构、快速节奏和平衡方式的回潮带向了顶峰。

　　虽然延伸于波普，但硬波普绝不能如此简单定位。它有较和谐的力量、较明确易懂的旋律，着重于比波普更成熟的即兴演奏，对节奏和音色的运用也更具质量感。许多硬波普的领军人物还在其中加入了许多非洲、拉丁和古巴等黑人音乐元素，将爵士先前各种风格的粗糙形式提升至新的领域，并且注重精神层面的情感表达，使这一乐风在20世纪50年代后期得以演变为两个分支：与灵歌、福音音乐结合的灵魂爵士（Soul Jazz）和与节奏蓝调、摇摆结合的放克（Funk）。

调式爵士（Modal Jazz）

　　严格意义上来说，调式爵士并不能算一种独立的风格，其重要性在于它甩开羁绊的即兴演奏为后来出现的自由爵士和现代爵士铺平了道路。在它出现之前，爵士的即兴演奏被严格地控制在某个精确的调性之内，也就是说旋律和伴奏和弦的行进必须是同步的。而调性爵士以音阶为基础，舍弃旋律的变化，使爵士乐手得到了充分展现自己才华的机会和最容易激起听众们情绪的方式。迈尔斯·戴维斯是第一个使用这种现代音乐架构来进行演奏和创作的音乐家，他的专辑《Milestones》和《Kind Of Blue》成为摆脱波普束缚通向先锋爵士的敲门砖。

自由爵士（Free Jazz）

　　这种音乐的过人之处有点像中国的太极拳，讲究“无法之法乃为至法”的至高境界。以欧涅·寇曼为代表的先锋乐手们反对以往爵士乐的一切传统束缚，转而建立自己一套松散、自由的集体即兴演奏方式的音乐形态。它惯于采用惊人的自由调性，几乎完全背弃旋律而引进意外的声音，犹如现代派音乐中的机遇音乐和偶然音乐。它不照本宣科，不重覆的叠句和变化不定的进行速度展现出的音乐风格常常夹杂着人声的哭嚎、小号或萨克斯的乐器悲鸣。
从乐队编制上看，自由爵士和以往的爵士乐没有太大的区别，最大的差别在于他们的演奏是完全自由的，从表面上看显得杂乱而无序，但是内在的和声结构却十分严谨，乐手之间的合作精神是其最重要的技术依托。但自自由爵士产生以来，就因其缺乏旋律、过于自由饱受争议，它影响着现代的主流音乐，但这种影响往往被忽视了。

　　前卫爵士（Avant-garde Jazz）

　　和自由爵士一样在个人即兴方面脱离了传统的原则，甚至被认为是自由爵士的某一分支，前卫爵士虽然与自由爵士有诸多重叠，但仍因其在合奏时具有更多的结构性而与后者区别开来。你很难在前卫爵士的演奏中分辨出什么时候事先创作的乐曲结束和什么时候即兴开始，独奏者们在编曲之外的广阔空间自由发挥。

　　前卫爵士和自由爵士一起在20世纪60年代进入成熟时期，但因为演奏及其随意而一直被保守者置于是否能归入音乐种类的争论中。塞西尔·泰勒、欧涅·寇曼、桑·拉及后来的集大成者约翰·科特恩是前卫爵士最杰出的代表，他们对爵士的革新造成了巨大的冲击，推动着爵士向更高、更广的领域迈进。

波萨诺瓦（Bossa Nova）

　　波萨诺瓦的葡萄牙文原意为“新浪潮”，出现于60年代硬波普与前卫爵士走向两个极端的尴尬时刻，以它融合了巴西节奏、美国冷爵士和前卫欧洲和声的清新感觉横扫了全世界，但它的光环在70年代即消失殆尽，成为爵士乐历史上一段美丽的插曲。

　　波萨诺瓦多数用木吉他作为主奏音器，配上电吉他、电子琴及各式拉丁敲击乐器而成。它从巴西的桑巴（Samba）延伸出来，但除去了桑巴比较复杂的部分及一些杂音，降低其热闹的音量但保留诱人的重音，在平顺的旋律和歌词间营造魔咒般的渴求感，让人过耳难忘。1962年史坦·盖兹和巴西波萨诺瓦名家Antonio Carlos Jobim合作的《Desafinado》把波萨诺瓦带入美国爵士界，席卷一时。

　　拉丁爵士（Latin Jazz）

　　爵士乐中出现的拉丁音乐元素可以追溯到W．C．汉迪的《St．Louis Blues》，但二者的融合直到二次大战后才基本完成。马奇托的Afro-Cuban Band将拉丁音乐完整地带入美国人的生活，而后“晕眩”葛莱斯彼的尝试又使之在50年代大放异彩，形成一股疯狂节奏的拉丁爵士潮流。

　　最基本的拉丁爵士乐是拉美舞曲和爵士乐即兴独奏的结合，典型的拉丁爵士乐队一般包括八位乐手：三位吹管手（小号、萨克斯，长号），钢琴手、贝司手、以及三位打击乐手，其中尤以打击乐组的表演最为引人注目。各种源自拉美的打击乐器为乐队提供了最大的自由空间和演奏激情，直到音乐高潮的到来。拉丁和爵士的结合产生了一种独特的激动人心的音乐，直到今天仍令人久久难忘。

融合爵士（Fusion）

　　20世纪60年代末70年代初，在摇滚盛行的巨大冲击下，渐遭冷落的爵士乐手们不得不抛弃原有的爵士传统和羁绊，转而寻找新的音乐方向，融合爵士因此应运而生。迈尔斯·戴维斯的三张专辑《Files De Killmanjaro》、《In A Silent Way》和《Bitches Brew》融入了摇滚的鼓节奏，改变了贝司的演奏技法，同时将电吉他和键盘也带上爵士舞台，开创了一个多元融合的时代。

　　加入摇滚、乡村、古典音乐、印度音乐、电子乐和古巴音乐带来的崭新表现所引导出的多变又创新的音乐综合体，是融合风潮中的主要基干。一般而言，早期的融合乐包括两种主要形态：一是以歌唱为主，以管乐器做适度即兴演奏的流行队伍；一是以纯乐器作为演奏单位，但加入了印度、巴西、摇滚等不同乐风的新型乐队。韦恩·肖特的“气象预报”乐队（Weather Report）和奇克·柯瑞亚的“回到永远”乐队（Return To Forever）是这一乐风的佼佼者。融合乐可说是爵士发展历史上的一颗“还童丹”，使濒临危机的爵士乐走出低谷，重新焕发了青春的光彩。

新波普和后波普（Neo Bop & Post Bop）

　　20世纪80年代的爵士似乎走到了穷途末路，除了一直不被认可的自由爵士和融合爵士一息尚存外，乐手们面对每一种音乐形态都已涉猎的局面，只能重新回到过去，在久违的经典爵士乐中寻找新的创作灵感。以小号手韦顿，玛萨利斯为首的乐手们以波普乐风为基调，加入新奥尔良传统爵士、摇摆、灵魂爵士和古典音乐的多重色彩，并高度强调演奏技巧与典雅旋律，创造出这种被称为“新古典主义”、“新波普”、“后波普”的复兴式音乐。

　　酸爵士（Acid Jazz）

　　对于它并没有一个确定的定义，上至50和60年代的灵歌和福音乐，下至80年代末的地下舞曲风潮，都可以看到酸爵士的影子。现在较普遍的说法是：酸爵士是以复兴20世纪60～70年代的放克音乐为基本架构，融合了Hip-Hop、灵歌及其他一些音乐元素的音乐形式。它可以全部由现场的乐手演奏，也可以以原有的声音为基底，利用数位化的设备来取样、重组，或加入、重叠其他多种乐器而构建出新的乐曲。

　　它是一种动感而流畅的音乐，形成的主要目的是寄希望于将爵士乐的某些元素和商业行销相结合，以期寻求更广阔的爵士听众市场。音乐中采用了大量的科技手段，“酸”听起来虚幻、神秘，但是这种音乐却常常给人一种扎实、饱满的感觉，引人

当代爵士（Contemporary Jazz）

　　当代爵士根源于20世纪70年代演进的不同风格的融合爵士，结合了爵士、摇滚和流行音乐的影响发展而来。当迈尔斯·戴维斯热衷于在自己的乐曲中带进摇滚和电子化的声音时，另一部分爵士乐手却致力于创造一些更轻柔、流行、适合电台播放的音乐，轻柔爵士（Lite Jazz）、平滑爵士（Smooth Jazz）因此而生——事实上，当代爵士可以被看做是70年代后所有吸收其他音乐元素的新爵士风格的统称。

　　严格的说，当代爵士已经脱离了爵士的架构，与传统意义上的爵士乐渐行渐远，但它跟随时代的脚步不断演进，将触角伸向世界各地融合多种文化的音乐元素的勇气却为未来爵士乐的发展找到了一个方向。