音乐之外（摄影大师吴印咸） [复制链接]

吴冠中在谈到八大山人的时候，他认为有一个人与八大山人在个性上是非常相似的，这个人就是常玉。

在音乐和哲学领域，我们知道有两个人曾说过，他们的时代终会到来，他们就是马勒和尼采。而今天，在美术领域，我们认为有一个人他的时代已经来临，这个人就是常玉。谈到常玉，可能很多人并不了解。但是在今天的艺术拍卖市场，常玉的名声正如日中天。在艺术拍卖市场，常玉的作品的拍卖价格超过了一亿元，在早期留学法国的艺术家中，常玉超过徐悲鸿和林风眠而名列第一。

谈到常玉，他一生默默无闻，穷困潦倒，在1966年意外因为煤气中毒而去世，从此被世人遗忘。然而，人类的艺术史又和大家开了一个玩笑，50年后，常玉却“走上了世界艺术的巅峰”。常玉生于1900年，是中国四川人。年轻时和徐悲鸿、林风眠等人前往世界的艺术之都巴黎求学。不过常玉生性散漫，他和徐悲鸿、林风眠不同，他没有进入美术学院上课。而是到当地酒馆去画画、读《红楼梦》和拉小提琴，常玉在巴黎沉醉在这种优哉游哉的生活当中。徐悲鸿和林风眠后来都回到祖国，投身到建设祖国的艺术事业当中去。而常玉却是留在巴黎，追求他梦中的自由艺术。然而，好景不长，他后来因为家道中落而贫困潦倒。常玉生平不为人所理解，在艺术上也郁郁不得志，直到1966年因为煤气中毒而去世。

常玉的艺术，他不像徐悲鸿和林风眠那样去追求那些艺术和家国的宏大题材。他只是沉浸在自我的个人陶醉之间。常玉在去世前画了一幅以小象为题材的绘画，一个小象在夜色苍茫中奔向远方，常玉说那个小象就是他自己。他在绘画中宣泄自己的忧郁、苦闷之情。他画画“不讲究书法、画理，而是随性所之、随兴所至，画他的好恶、画他的心情。绘画对常玉而言是一种情感的自然发泄”。用今天我们的话来说，就是他的绘画没有一点正能量。

然而，就是这个玩世不恭的常玉，在他死后50年，他却获得了新生，尤其在西方，主流艺术界都认为他就是“东方的莫迪里阿尼”，“东方的马蒂斯”。为什么西方如此欣赏常玉呢？这和西方的艺术传统有关的。我们知道法国诗人波德莱尔，美丽的艺术之都巴黎在他笔下变得如此丑陋，然而法国人却称他为诗歌之王。因为，波德莱尔认为在诗歌中，在艺术中，从“丑陋”中也可以体现出、提炼出“美”来。这就是西方的传统艺术美学思想，艺术不仅可以表现“美”的，也可以以“丑”为题材。

常玉以游戏心情作画，他的艺术所表现的，不一定就是“丑”的，也许有人会觉得不太“健康”吧。其实，他的绘画中所表现的忧郁、苦闷和哀伤，不正说明他也有一颗悲悯之心吗？

好贴，涨知识，顶一下。

西班牙是个盛产艺术家的国家，在音乐上，卡萨尔斯、塞戈维亚大名鼎鼎。而绘画，则首推毕加索。

巴勃罗·毕加索（1881-1973），西班牙画家、雕塑家。法国共产党党员。是西方现代派绘画的主要代表。毕加索自幼具有非凡的艺术才能，曾在美术学院接受过比较严格的绘画训练，具有坚实的造型能力。毕加索出生在西班牙马拉加，是当代西方最有创造性和影响最深远的艺术家，他和他的画在世界艺术史上占据了极高的地位。毕加索的一生辉煌之至，他是继雷诺阿之后极少数活着亲眼看到自己的作品被收藏进卢浮宫的画家。在1999年12月法国一家报纸进行的一次民意调查中，他以40%的高票当选为20世纪最伟大的十位画家之首。

毕加索是立体主义的代表画家，喜欢创作抽象画。看他的抽象画，有很多很像儿童的信笔涂鸦，那么，毕加索的创作和儿童画有区别吗？当然是有区别的。这次我们来看看毕加索是怎样画一头牛的。看看毕加索这个老顽童返璞归真的创作过程。

为了完成他那头由几条线构成的牛，毕加索竟然数易其稿，画了各种各样的牛。当你看到那条线时，你简直无法想象它曾花费了画家多少心血。有些画看上去似乎一无所有，其实却包含着一切。这幅公牛图的演变过程，就是典型的一例。每一稿都有其独特的含义，而每一含义又导向另一种形式的真实。

在美术的范畴内，抽象是美的也是丑的。抽象的表现是最简单省力的，也是最复杂费力的。从理论上讲，抽象体现出的是人为的主观意识，因此抽象画最好画，只要会拿笔，只要画得怪，都可以称之为抽象画。现今无论是国内还是国外，都有相当数量的人热衷于抽象艺术，看似艺术繁荣，其实并不尽然，因为在这诸多的主张抽象的画家中，有才气的画家视抽象艺术为最美但又最难画，其中包含的艺术内涵太丰富，难以表现得有“理”有“术”。

毕加索终生喜欢画牛。年轻时他画的牛体形庞大，有血有肉，威武雄壮。但随着年龄的增长，他画的牛越来越突显筋骨。到他八十多岁时，他画的牛只有瘳瘳数笔，乍看上去就象一副牛的骨架。那些牛的外在的皮毛、血肉全没有了，只剩一副具有牛的神韵的骨架了。曾经有一部描述毕加索画牛的影片，它让我们看到了创造抽象艺术品的主要法则。

看看毕加索的绘画的创作过程，我们对现代艺术可能会有新的认识。

（编写自网络）

光影涂鸦通常也被人们称为光绘画、光涂鸦和光电涂鸦，是一种在夜晚或黑暗的房间移手持式光源或相机产生光成图效果的摄影技术。在大多数情况下，光源并不一定要出现在作品中。依靠光线移动制造出妙不可言的形象，光电涂鸦艺术由此诞生。光影涂鸦的最初创始者虽已无从考证，但是在21世纪流行的光影涂鸦，早在1949年，伟大的立体主义画家毕加索就已尝试过，那么就来看看毕加索全身投入的绘画过程吧。

1949年，在法国瓦洛里，《LIFE》杂志的摄影师 GjonMili 拜访了毕加索。他给毕加索看了一些光绘照片：滑冰者给溜冰鞋粘上小光源在黑暗中滑过。毕加索立即被这种摄影形式所吸引，并激发出灵感，留下了这组珍贵的照片，记录下了用光作画的毕加索。或许他就是如今流行的光影绘画的鼻祖！

拜访毕加索的摄影师介绍

Gjon Mili，1904年出生于阿尔巴尼亚，1923年来到美国，1984年逝世。他曾作过介绍的Harold Eugene Edgerton合作进行了几次摄影尝试，通过闪光灯来固定画面，捕捉一系列运动的场景。

光影绘画原理

原理就是把照相机的快门调的非常慢，然后用发光体挥舞出形状，然后相机就记录下了发光点的运动轨迹，就成了你看到的样子了。

用相机拍摄一张图片（快门打开不闭合），用类似我们常玩的“红外线”的激光笔在图片上移动，相机就记录下了反光点的运动轨迹，完成后关闭镜头冲洗，再经PS后就完成了。

（编写自网络）

常玉那个贴谈到波德莱尔，波德莱尔是法国象征派诗人，兰波称他为诗人之王，诗歌中的皇帝。
大家都知道诗歌《恶之花》，这就是波德莱尔的代表作，常见的译本是郭宏安的翻译。

诗歌与音乐有很多共通之处。诗歌的翻译，也存在不同版本，象古典音乐一样。
欣赏诗歌，从中获得的乐趣，和欣赏音乐、绘画、文学等艺术是一样的。
《恶之花》的翻译也有多种版本：

波德莱尔的作品，除了诗集《恶之花》，他还有一部非常著名的散文诗集《巴黎的忧郁》。
波德莱尔是西方诗歌史上的一个非常著名的诗人，我们了解他的世界观、美学思想、文艺思想，今天仍然很有意义的。

波德莱尔的作品及美学思想

夏尔•皮埃尔•波德莱尔（Charles Pierre Baudelaire，1821年4月9日－1867年8月31日），法国十九世纪最著名的现代派诗人，象征派诗歌先驱，代表作有《恶之花》。从1843年起，波德莱尔开始陆续创作后来收入《恶之花》的诗歌，诗集出版后不久，因“有碍公共道德及风化”等罪名受到轻罪法庭的判罚。1861年，波德莱尔申请加入法兰西学士院，后退出。作品有《恶之花》、《巴黎的忧郁》、《美学珍玩》、《可怜的比利时！》等。

作为西方现代主义文学的先驱，波德莱尔用作品奠定了这一文学分支的基调：摒弃传统，独辟蹊径。他从自己的创作出发，在诗歌题材上大胆创新，选取城市的丑恶与人性的阴暗面而创作。他在习以为常的具象中，展现人生的各个层面。诗人拒绝把生活空虚地理想化，拒绝浮面的欢娱自足，他要返回存在的本质层次，因而把社会病态诉诸笔端。波德莱尔认为“丑恶经过艺术的表现化而为美，带有韵律和节奏的痛苦是精神充满了一种平静的快乐”，这是艺术的作用之一。

作为法国象征主义诗歌的鼻祖和现代主义诗歌先驱，波德莱尔身上还充溢着一种大胆的反叛精神。法国象征主义诗人兰波尊他为“最初的洞察者，诗人中的王者，真正的神”。波德莱尔认为：在每个人身上，时刻都有两种要求，一种趋向上帝，一种向往撒旦。对上帝的祈求或是对灵性的祈求是向上的愿望，对撒旦的祈求或是对兽行的祈求是堕落的快乐。

这些内容在《恶之花》尤为明显，《恶之花》无论从内容上还是形式上讲，都在法国诗歌发展史上具有划时代的意义。它开创了一个崭新的诗歌王国，把诗歌的创作引到了一个前所未有的境地，为诗歌创作展示了美好的前景。在内容上，它第一次大规模地将城市生活引入诗歌王国，扩大了诗国的版图。谁也没有象他那样探入人的心灵深处，到那最阴暗的角落里去挖掘，因而加深了诗的表现力。在艺术上，《恶之花》也取得了极大的成就，它继承了古典诗歌的明晰稳健，音韵优美，格律严谨，又开创了一种新的创作方法，即象征主义。波德莱尔不但是法国象征派诗歌的先驱，而且是现代主义的创始人之一。现代主义认为，美学上的善恶美丑，与一般世俗的美丑善恶概念不同。现代主义所谓美与善，是指诗人用最适合于表现他内心隐秘和真实的感情的艺术手法，独特地完美地显示自己的精神境界。《恶之花》出色地完成这样的美学使命。

波德莱尔也反对崇古抑今，他认为“美”具有现代性，美就存在于现实的世界。当然，这种“美”是需要通过“应和”来发掘的，波德莱尔认为美存在于隐藏着的“另一个世界”，是上帝根据自己和天堂的形象创造和规定的，艺术家的作用就是用一种单纯、明晰的语言来说明这个更为真实的世界。（编写自网络）

如果你对西方的抽象艺术感兴趣，一定要了解一下马克.罗斯科。

美国抽象派画家马克·罗斯科（MarkRothko，1903—1970）生于俄国，十岁时移居美国，曾在纽约艺术学生联合学院学习。他最初的艺术是现实主义的，后尝试过表现主义、超现实主义的方法。以后，他逐渐抛弃具体的形式，于40年代末形成了自己完全抽象的色域绘画风格。

1950年代，马克·罗斯科的声望稳定上升。1958年被选为威尼斯国际博览会美国代表。对他来说，作画过程类似宗教祭典。他常常彻夜不眠，从下午5时一直工作到次日早上10时。他在剧院舞台那样强烈的灯光下作画，展览时，却把灯光安排得较暗，从而使他那些强烈的大色块从环境中凸现出来，仿佛悬浮在空中，给人造成强烈震撼。1961年，马克·罗斯科在纽约现代艺术博物馆举办个展，达到艺术事业顶峰。收藏家、经纪人、批评家蜂拥而至，甚至肯尼迪总统也来捧场，对其敬重三分。

马克•罗斯科可说是自学成才，罗斯科对哲学和心理学有浓厚兴趣。这喜好启发他阅读大量有关神话和精神分析的书籍，加上一生热衷戏剧和音乐，皆为他带来不少创作灵感。马克·罗斯科的艺术注重精神内涵的表达。他力图通过有限的色彩和极少的形状来反映深刻的象征意义。他认为，今日西方文明根植于西方的传统文化，尤其是希腊文化。希腊悲剧精神中人与自然、个体与群体之间的冲突，正是人的基本生存状态的写照。

马克·罗斯科早年受希腊神话、原始艺术和宗教悲剧等传统题材对描绘人类深层的情感元素所吸引，复又受胡安·米罗 (1893-1983) 及安德烈·马松 (1896-1987) 等超现实主义画家的创作手法所影响，使他创作出带有超现实主义色彩的作品。1947年以后，他趋向以更纯粹的形式和技巧去创作。到了1950年他已完全抛开了具体形象，这时期的代表作品，常见巨大的彩色方块，配以朦胧柔和的边缘，简洁单纯地悬浮在画布上，找不到有深度的空间，而这种很浅的空间忽远忽近，不可捉摸。色彩之间的相互关系因为长方形空间而起作用，造成一种温和而又有节奏的脉动感，不清晰的交界处隐隐地藏住很多耐人寻味的东西。以此唤起人类潜藏的热情、恐惧、悲哀、以及对永恒和神秘的追求。他旨在超越一切理智跟感官认知，追寻人生的终极哲学——赤裸又神圣的宗教体验与感情。他说，“我唯一感兴趣的是表达人的基本情绪，悲剧的，狂喜的，毁灭的等等，许多人能在我的画前悲极而泣的事实表明，我的确传达出了人类的基本感情，能在我的画前落泪的人就会有和我在作画时所具有的同样的宗教体验。”罗斯科的画往往尺幅很大，这是为了能让人置身于体验之中。

罗斯科要在西方的传统文化中找到今天西方文明的根。他认为现代人的内心体验没有离开从古至今的传统，因此要表现精神的内涵需要追溯到希腊的文化传统中去，尤其是希腊文明中的悲剧意识，这是最深刻的西方文化之源。他运用大量纯净的色彩表达无形的思想, 作品总蕴含着一种或淡或浓的沉郁，营造出或朴素或诗意，以至充满戏剧性的气氛和效果。

（编写自网络，非原创）