多年未出山---重作为电影配乐的作曲家（中日部分） [复制链接]

02. 戏梦人生

戏梦人生的音乐明显比恋恋风尘的音乐风格成熟，作者掌握了更好的作曲与配器技艺，有更多的乐器，更为顺畅的弦律。听着的感觉也更好，但神韵就差了一点点了。




转：由诗人路寒袖所写的歌词，细腻地描绘民族艺师李天禄一生中四个女人的心情，为古旧时代女性宿命提出全新的辩证。专辑音乐由陈明章与学院出身的詹宏达共同制作，散发出浓烈的台湾风情。收录有李天禄的亦宛然掌中戏录音、凤飞飞、李静美、潘丽丽、柳育燕、侯孝贤的歌声。

这部布袋戏大师李天禄的传记电影，让侯孝贤拿下了1993年的坎城影展评审团大奖，侯导神话再晋一阶。当年李天禄戴着墨镜出席坎城影展，魅力横扫全球，影迷应该都还记忆犹新吧！

侯孝贤这次又找来陈明章帮他做电影配乐，与詹宏达共同担纲制作。这张电影音乐专辑的获奖纪录更是霞光万丈，总共获得当届金曲奖四项提名、金马奖最佳电影音乐提名、且荣获比利时法兰德斯影展最佳配乐奖。

这张专辑的企划方式十分特别，有许多音乐完全没有在电影中出现，而是采取「概念式专辑」的结构，由四位女歌手︰凤飞飞、李静美、潘丽丽和柳育燕分别代表李天禄生命中的一个女人，串成这位布袋戏大师的生命主题。此外，专辑中也收录了侯孝贤亲自演唱的经典老歌「港边惜别」，和亦宛然掌中戏团表演的实况。　　

03. 花漾
像陈明章一样对电影配乐编号的，估计就此一人吧。听着里面的一些音乐，总是让人感慨，是不是中国文化传承实际上是由台湾和香港人（甚至是新加坡人）所继承，而大陆经过无数次的运动和革命，早已和五千年的历史断了干系。



转：因为对电影音乐创意之看重，所以我的作品里，没有一部电影音乐不入围金马。但这次「花漾」的音乐难度实在高，讲述一个三百多年前的海岛上，一群歌妓与海盗的故事…；剧中歌妓必须吟唱南管，然而，古调南管有几人能够欣赏？又谁有能力，可以把南管现代化呢？

还好，台湾有陈明章。

陈老师看过剧本後，充满自信地说：舍我其谁？此作若成，必为经典。

再次感到欣慰，还好，我们有陈明章。然後，便是紧张的工作阶段了。由於电影开拍时，歌妓必须已经练好主题歌曲的歌舞，而且我的创作习惯是，我需要经常听着音乐来执行电影拍摄，藉以统一电影的氛围。 於是，陈老师被我逼着，早在电影开拍前两个月，就把整部电影的主题音乐创作了出来。

有了这样的音乐基底，「花漾」电影便定调了一半。

一如我的想像，这次的电影主题歌曲，以优美的南管基底，彰显了独特的台湾色彩，并且散发着浓厚的人文风格、演绎着深刻的生命体悟。

感谢陈明章老师的音乐创作，台湾电影因而往远古延伸，有了更丰厚的特色。

09. 喜多郎

喜多郎，原名高桥正则，喜多郎是他从前的绰号，跟一个日本当时的卡通角色有关。

喜多郎生于一九五三年日本爱知县丰桥的农家，高中时自学吉他并和朋友组成「信天翁」（Albatross）乐团，在派对即俱乐部表演。而后加入宫下富实夫创办的「Far East Family Band 」在世界各地在世界各地巡回演出。一九七二年在德国遇见「Tangerine Dream」的 Klaus Schulze 而感受到电子合成器的魔力。一九七六年乐团解散（一说为一九七八年），喜多郎到印度、尼泊尔、寮国、泰国、中国及其他一些亚洲国家长期旅行，他曾说：「My own peace comes from the realization that I am the equal of the beggar on the street of Calcutta.」

一九八七年第一张专辑发行， 一九八零年为NHK制作丝绸之路的配乐。 一九八四年和日本山口组老大的女儿由伎结婚，当时很多人认为和有黑道背景的人结婚是不智的选择，但喜多郎说：「只是由伎的父亲是黑道，由伎不是，而我只是个音乐人。」他们的儿子龙之介在八五年出生。几年后他们离婚了，喜多郎对记者说：「没有什么特别的原因，只是因为我在美国长期工作而由伎在日本工作，渐渐见面少了也就渐渐淡了。我们还是好朋友。」喜多郎的第二任太太是Keiko，九八世界巡回音乐会酜eiko有同台演出键盘，现在喜多郎有两个孩子。

一九八零年喜多郎与美国Geffen Records签约，（他现在的唱片公司是Domo Records），喜多郎的专辑正式进军美国。而喜多郎的音乐被归类为「新世纪」，喜多郎本人则比较喜欢称自己的音乐为「灵性」的，他认为他的音乐感情人性因素重于新世纪音乐强调的技术层面。他说：「Feeling is the most important element in my music.」

一九八九年，喜多郎搬到美国科罗拉多洛基山上，Boulder附近一个叫做Ward的地方，后来山上建了一个录音室，名为「Mochi House」（Mochi这个字在日文意即「饼」）。

九三年及九七年，在 Randy Miller 的帮助下，喜多郎完成了两张原声带，「天地」和「宋家皇朝」。前者获得金球奖最佳电影配乐，后者则赢得台湾金马奖和香港金像奖。在喜多郎的音乐生涯中，共被葛莱美奖提名五次之多。从未接受过音乐方面的教育，甚至看不懂五线谱的喜多郎，从前用他自己的方式记录音乐（有点类似图画），现在是否还是如此我不知道，但他的确是个多才多艺的音乐家，除了演奏吉他、贝斯、键盘、箫、太鼓及许多其他的乐器之外，他还作曲、编曲、制作。这次来台湾他也兼任音乐总监，连灯光也会三上一脚。除此之外，他还会摄影，新作Gaia的封面就是他在科罗拉多的家外面拍摄的照片，他在科罗拉多的房子也是由他本人设计的。还能说什么呢？他实在是个天生的艺术家。

在不断创新风格之际，喜多郎也没有忘本，自从八三年起，他每年都参加日本满月的仪式（在富士山或是洛基山），打整晚的太鼓，从日落到隔天日出，每回他都打到双手流血仍继续。新作Gaia也和日本的习俗相关，这个Onbashira的仪式每七年举行一次（Bashira在日语中意即「柱子」），关于专辑的详细情形请到「作品年表」。能超越文化融合各民族的特色制作音乐却又不忘记传统，如今已享誉国际的音乐大师喜多郎私底下却是个谦虚随和的人，生长在神道教及佛教的家庭之中，对宗教有着虔诚的信仰，他认为自己不过是个使者，把大自然的讯息传递给人们。

除了对音乐的天分及制作的用心投入之外，喜多郎身上还有很多值得学习的地方，越是了解他就会越欣赏他，喜多郎的人生哲学就在他的音乐之中，他说过：「 As long as people feel somthing from my music and it influences them in a good way, that’s all matters to me. 」、「I know music can change someone else because it changes my own. 」

喜多郎后来的风格和早期不同了，乐器的使用也更为广泛，有人说少了早期的宁静，但是，不论过去现在或是未来，不论曲风再怎么改变，喜多郎作曲的用心及对大自然的关怀是永远不会变的。

01. 宋氏三姐妹

如果评除四大美女之外的五大美女的话，宋庆龄应该算入吧。这部电影有中国人许多的感情，音乐也写得荡气回肠。但不免有煽情和流俗的嫌疑，不过，偶俗人一个，喜欢没得说。

（转）喜多郎的音乐生动再现了在我国近代史中发挥了巨大作用的宋氏家族。该作品使喜多郎当年分别获得香港金像奖及台湾金马奖的最佳原佳音乐奖。

音乐通过多手段表演，也完美的柔合了东西方乐器：Northwest Sinfonia演奏的交响乐，钢琴，以及中国的二胡，琵琶，杨琴。你可以在第一首的高潮听到左面是小提琴，右面是琵琶，而二者相互辉映。

在遥远的中国，有三个姊妹，一个爱钱、一个爱权、一个爱国……（难道宋美龄和大姐就不爱国了么，这话说得）

02. 天与地

在这部奥利佛.斯通的越战三部曲之一中，喜多郎的音乐时而激昂、缠绵，时而忧伤、感叹……动人而充满气势的音乐，虽然写得并不复杂，甚至有些煽情，然而却极容易让人感动。 拼死以求的碟之一。




转：[ 天与地 / Heaven & Earth ] 是大导演 [ 奥立佛史东 / Oliver Stone ] 继86年 [前进高棉 / Platoon ] 与89年的 [ 七月四日诞生 / Born On The Fourth Of July ] 再一次以越战为探讨主题的电影，由吴汉、陈冲、汤米李琼斯 / Tommy Lee Jones、黛比雷诺 / Debbie Reynold 与新人姚志丽主演。金奖影帝 [ 汤米李琼斯 / Tommy Lee Jones ] 饰演娶了李莱，并且将她带回美国试着过新生活的大兵，只不过，这一次是以越南人的观点来注入更多不同的人性感受。藉由一名年轻越南女子李莱（姚志丽）因着越战而充满颠沛流离的一生，表达战争其实并没有真正胜利的一方，反而两方都伤痕累累。

现定居美国圣地牙哥的姚志丽希望 [ 天与地 / Heaven & Earth ] 一片可以瘉合越南饱受战争的创伤，她说：『在心灵深处，我知道奥立佛史东是最佳的导演人选。[ 天与地 ] 不仅是我的故事，它更是献给58000位在越南丧生的美国士兵及在战争中丧生的300万个越南人。』

[ 宋家皇朝 ] 与 [ 天与地 ] 堪称 [ 喜多郎 / Kitaro ] 电影配乐中的 2 张经典。在一年多的创作岁月里，喜多郎 终於把首次与奥立佛史东合作的 [ 天与地 / Heaven & Earth ] 电影配乐呈现给影迷和乐迷。据喜多郎自己表示 [ 天与地 ] 堪称是个人创作旅途上另一个崭新的里程碑。在这部大格局的越战史诗鉅作裏，喜多郎充分发挥电子合成乐器营造浩瀚无边际的气势，同时配合故事的背景，他加入许多中国的传统乐器，诸如笛、簫、南胡、琵琶和许多未曾被使用的越南传统乐器。

序曲"Heaven And Earth(Land Theme)"即由悠扬的乐声带入清清如水的乐声，再加上南胡哀愁的乐音，在他擅长的浩瀚气势中缀入更多的管弦伴奏，把那一份对土地的特别情感烘托得格外动人，在"Ahn &Le Ly Love Theme"的爱情主题曲中，则在隐约的演奏风格和笛、簫的搭配伴奏下，把欲语还休的爱情气氛古色古香的粧点出来。而流畅的乐风和运用鼓声陪衬的紧张气氛也颇能捉住视觉的震撼。

聆听整张原声带，让人不得不为喜多郎的配乐功力竖起大拇指。因为，他多年来在冥想色彩音乐的实验精神，终於因 [ 天与地 / Heaven & Earth ] 一片的出现而能加以发扬光大，并以西方电影配乐衬托大格局的气魄的管弦乐融合，真是一张以东方音乐为主乾的配乐经典。

03. 千年女王

相对于喜多郎的前两张激情的配乐来说，这张专辑要内敛得多，甚至有点阴柔的音乐。但会更耐听，更感人。




喜多郎为动画片《千年女王》所作的配乐，以交响乐团演奏的形式呈现。
从今天的眼光来看《千年女王》这部动画片，确实让人为之一雷，不过我相信这部动画片就是以“儿童动画“为出发点而作的，恰如今天的国产动画。
但是，如果你没有看过《千年女王》这部动画片，而先听听喜多郎为之所作的配乐，那可能只有一种感觉，那就是圣洁、神秘，甚至我们会认为配乐本身已经超越了那个时代。千年女王，光是听这个名字就已经足够大气了。
这个专辑的演奏都比较平淡。推荐第六首Pray for the Future

30. 潭盾
　　1957年出生于湖南的谭盾，曾多次荣获中国国家级创作奖，他的管弦作品《道极》更被评选为“20世纪华人音乐经典”。除此之外，谭盾在实验创作艺术上也非常活跃。他的《纸乐》、《陶乐》与《水乐》等音乐剧，都在国际前卫艺术领域里产生很大的影响，并获得广泛的好评。其它诸如“Weber国际作曲奖”、“山多利作曲大赏”、“MIT杰出艺术成就奖”等国际奖项，更将他的声誉推至最颠峰。
　　除了是一位出色的作曲者之外，谭盾还是一位著名的指挥家，94年受聘为BCC 苏格兰交响乐团驻团作曲兼副指挥，并且以指挥具有多元文化特色又令人折服的20世纪新作品著称。2000年为电影《卧虎藏龙》所做的配乐，更让他成为奥斯卡史上第一位获得最佳电影音乐大奖的华人。诚如谭盾的理念把“中国当代音乐与文化风貌介绍出去”，而随着他的成功，华人的音乐舞台也得以更加宽广。
　　与新力音乐合作期间，谭盾的作品更是达到前所未有的颠峰境地。如歌剧《马可波罗》，音乐内涵结合了西方宗教圣乐与东方京剧的精髓，是96年的年度最佳歌剧作品。而与大提琴巨星马友友合作的《交响曲1997》，力从中国文化中天、地、人三境界来诠释乐曲，结合乐器"编钟"的使用，建构出史诗般波澜壮阔，磅礴动人的气势。加上与世界级女高音黄英合作的《Bitter Love》，以及收录由《吉普赛国王》现场演唱雷鬼之父巴伯马利作品《One Love》的专辑《2000 Today》，多样化的风貌，谭盾再次证明了他的创作实力与无远弗届的音乐魅力。 在此次第44届格莱美中，谭盾再度为华人音乐家赢得荣誉，以电影《卧虎藏龙》主题曲《月光爱人》获得“最佳电影原创音乐”、“最佳原创电影歌曲”提名，又以《卧虎藏龙》原声带中的《永恒的誓言》获得“最佳古典音乐”提名，而取自《易》中的吉他协奏曲则获得了“最佳古典音乐协奏曲”提名。

01. 卧虎藏龙

听藏龙卧虎的音乐是一种震憾，真正达到和国外最优秀的电影配乐相比美程度的少有中国人拍的电影之一。



转：
《卧虎藏龙》里最华丽的是武打，最深远的是对白，而最感人的是音乐。

本片的配乐由旅美大陆作曲家谭盾谱写，国际知名的华裔大提琴家马友友担任主奏。本片的主题音乐风格幽运，哀而不伤，配合上片中含蓄的爱情表达，可谓相得益彰。在飞檐走壁的一段配上紧密有致的击鼓声，则充分烘托出紧张刺激的武打气氛，堪称是中国电影配乐中的极品，赢取奥斯卡的最佳电影配乐金像奖的确是实至名归。

影片一开场便是主题音乐《卧虎藏龙》，马友友用大提琴演奏的忧伤而深沉的旋律自此就贯穿了整部影片。大提琴是整部音乐中最重要的组成部份。听这一张电影原声专辑，我总是会自然而然地想起影片中的一句台词，李慕白对俞秀莲说：“我并没有得道的喜悦，相反地，却被一种寂灭的悲哀环绕。这悲哀缠绕了我很久，使我无法再继续(闭关修练)”。整个音乐就和影片一样呈现出一种“很深的寂静”。

一部古装武侠片，李安表现出的是无尽的寂寞和怅然，而谭盾的音乐也是如此。即使在《The Eternal Vow》(永恒的誓言)这首曲子中，开始短暂的欢快而跳跃的新疆风格音乐之后，延续和发展的依然是《卧虎藏龙》的舒缓和忧伤。

李慕白为了向俞秀莲表达自己压抑多年的深爱之情，不惜用尽最后一口真气；而玉蛟龙则在一系列打击之后感到人生幻灭无常，投崖而去。这两个电影部分的音乐分别是《Sorrw》(悲哀)和《Farewell》(永别)。《悲哀》在开始短暂的激烈和紧张之后，大提琴缓缓地进入，与交响乐共同营造出一个黯淡的空间；而《诀别》大提琴从一开始便进入，流露出一种忧伤的情绪。马友友的演奏让人钦佩，大提琴如泣如诉，尤其在音乐即将结束的尾音，渐隐的大提琴声反而更强烈地拉扯住了听者的心。

《卧虎藏龙》的电影配乐让我们感到谭盾的音乐并没有因为旅美多年而变得西化，相反地，他的作品中透出一股更加深邃的东方音乐文化气息，人生的困惑和无奈用典型的中国情结表达了出来：舒缓而优美的旋律，惆怅而悲伤的人生。这音乐气息中透出的伤感就如同是对背负着太多压力的中国人的人生发出的一声叹息。

“我们能触摸的，都没有永远。”——李慕白

02. 英雄

在《卧虎藏龙》获得成功后，老谋子也手痒拍了部《英雄》来赚钱，可惜编剧却是三流，浪费了如此好的演员、摄影和演员。谭盾写的音乐充满了沧桑以及对命运的无奈，但也同样有些流于外表。比起《卧虎藏龙》的浑然天成，始终差了些味。



转：　由国际级音乐大师谭盾创作的电影配乐，电影《英雄》的原声大碟！在这张OST中，收录了王菲为电影演唱的主题曲「英雄」。

这是奥斯卡最佳配乐大师谭盾献给《英雄》的光芒，谭盾说：“英雄有着美丽动人的光芒，你想象不到...”。

听谭盾的音乐，要有一颗侠客心。古代侠士胆大思密，高傲的个性，谭盾把它用来作音乐。说他胆大，是因为他的实验精神，在不可能处将东方的筝鼓与西方弦乐作巧妙的结合，而且还身兼作曲，指挥与部分小提琴演奏。夸他思密，是在整体器乐的搭配上，不论是歌剧女高音与日本太鼓的对话，或是小提琴与古筝的合鸣，都是令人激赏的桥段。又说他高傲，是赞叹他的音乐向来就是与众不同，有种对创新的坚持与理想。谭盾，实是开拓华人音乐领域的“英雄”。

此外，如果你着迷于马友友为卧虎藏龙配乐带来的新气象，那你更不能错过小提琴之神“帕尔曼”与日本鼓王“鼓童”画龙点睛的精湛技巧。这是帕尔曼第二次为原声带献奏，演奏电影配乐深受乐迷喜爱的他，继《辛德勒名单》后，选择了深具东方历史情怀的《英雄》，作为他退休之前对电影配乐的最后演出。凄美的琴声，将故事主角的儿女情长刻划的委婉曲折；而鼓童气吞山河的击鼓炫技，更让人向往剧中超然的武打场景。充满个性与原创性的剧情与配乐，当然还需要一个性格不凡的声音来诠释主题曲。放眼当今乐坛，还有谁，能比王菲更适合这个角色。由林夕作词，张亚东谱曲，王菲演唱的同名主题曲《英雄》，光看阵容，就肯定此曲一定好听，更不用说这是王菲加盟Sony Music，新力音乐倾力制作的首支作品了。这些中外巨星联手为电影配乐绽放光芒，他们，是丰富音乐呈现的《英雄》。

由张艺谋执导，李连杰、张曼玉、梁朝伟、章子怡四大巨星演出，这出史诗武侠巨作《英雄》，由筹备到完成后期制作历经超过两年时间，庞大的制作备受国际关注，Time杂志早前更率先作封面推介，到如今宣传已是沸沸扬扬。张艺谋说: “卧虎藏龙拍得很好，但英雄是不一样的故事，它包含更多的历史元素，两者在题材上有很大的不同”。从《大红灯笼高高挂》、《一个都不能少》，到他的第一部武侠片《英雄》，张艺谋独到的手法，加上演员精湛的演技与动作，他们，都是领导华人电影工业的“英雄”。

03. 夜宴

冯小刚凑热闹之作，在看了陈凯歌那部馒头引发的血案后，我失去了看这部电影的勇气。总体来讲，随着审查制度的加严，第五代导演基本算全沦陷了（除了姜文），这真是中国电影最大的悲哀！我们只能怀念那个能出《活着》和《霸王别姬》与《鬼子来了》的年代了。
以前一直以为夜宴的音乐应该是谭盾配乐三部中最差的一部，现在才发现自己错了，这部的中国味是最差的，然而从音乐性来讲，恐怕应该是最好的。谭盾可能比前二部都放得开，写了好些音乐性很强的配乐给夜宴。




冯小刚导演今年备受瞩目的巨制《夜宴》原声大碟的制作已经进入白热化阶段，音乐总监谭盾和演奏郎朗不久前在美国完成了音乐部分，下周，腾格尔、周迅以及张靓颖三位歌手将在谭盾的率领下正式进棚录音。届时，影片中的神秘道具将被制作成精美的赠品随大碟发行。通过这张唱片，观众可率先领略到《夜宴》穿越千年的神秘气息。

此次谭盾为《夜宴》原声音乐的创作定下的基调颇为创新：1+1=1。谭盾对此的解释是这次的创作是中国电影音乐、民族音乐的全新尝试，是古代与现代、古典与流行、东方与西方的完美结合，但所有的撞击最后在音乐中的体现是交融。在已经完成的《夜宴》影象与音乐的结合片段中，谭盾的这一理念贯穿始终。白色面具、竹林、古舞，铁面人、宫殿、剑光，情爱、欲望、寂寞，伴随着情节的铺陈起伏，凝聚凋零的悲怆情韵，营造出一个荡然史诗，传达出身处人物内心深处的无奈与寂寞，中国民族音乐悲天悯人的情怀在西方古典音乐的浓烈中燃烧，彰显影片中那份蕴藏在天地之间的凛冽孤单情愁。

在创作方面谭盾的突破极大，完全不同于《卧虎藏龙》中的中国古典基调，此次《夜宴》原声在走势上不但有由静转动的层次感，更时见以静制动的视听震撼。在《今夜--生死竹林》《欲》等段落中，经由古色古香的音乐神韵与冥想音乐，营造出极具东方思维的空灵意境。钢琴与弦乐层次铺排气象万千、错落有致，将画面的震撼性与戏剧的感动性同时汇聚。几段交战乐章里不但有力拔山河的大合声，还有风云万千的管弦乐竞奏。

11.  小裁缝   配乐：王蒲建

小裁缝的作曲者是中央音乐学院的王蒲建老师，可惜了，功夫熊猫的音乐居然没有找他作配乐。以下是本人N年前为小裁缝写的影评，慎重申明下，其它网页上都是转笔者的，呵呵



总评

这部影片是笔者近几年来看过的最好的中国题材的电影，与它对比，只有花样年华、霸王别姬等少数几部影片可以与之相比美。而在音乐上，更是达到了前所未有的高度。

故事情节

在1971年，三峡的一个偏僻的小山村凤凰山，来了两个“古怪”的年青人，带着些山里人从未见过的东西包括一把小提琴与一个小闹钟---他们是下乡插队的支青马剑玲与罗明，为了说服生产队长不烧小提琴，罗明被迫把莫扎特的奏鸣曲说成《莫扎特想念毛主席》的山歌，在优美的莫扎特的旋律里，故事就从这里开始了。
乡村的繁重的劳动，单调的生活让两个受过高等教育的年青人感到枯燥，他们少有的乐趣就是拉拉小提琴，去温泉偷看女孩子们洗澡。在一天拉琴时，进来了一个清秀美丽的姑娘，她的活泼与开朗感染了罗明和马剑铃，他们不约而同的喜欢上了这个叫小裁缝的女孩。尤其是罗明，更是希望自己能够去改变小裁缝。
在相处中，从小裁缝的口中，他们知道另一个知青“四眼”那里，有一箱珍贵的藏书。于是在“四眼”要走的头一天晚上，他们偷走了这一箱子书。从此，他们每天都沉浸在果戈里的《死魂灵》、巴克扎克的《贝姨》、大仲马的《基督山伯爵》中并从中得到了大量的乐趣。直到有一天，小裁缝告诉他们她要离开山村，去看看外面的世界……
该剧根据已被翻译成25种文字的海外畅销小说改编而成，而小说的作者正是影片的导演戴斯洁，主演是周讯与陈坤、刘烨。在02年里获得金球、夏纳电影节的获奖提名。在国外早已上影并累获好评，而在国内，至今没有上映。
和同时获得提名的《英雄》不同，《英雄》的故事情节是苍白无力的，人物形象是苍白公式化的，全是靠精彩的打斗、唯美的画面及音乐取胜。而《小裁缝》的故事情节丰富，真实感人；人物形象丰满而富有个性，思想内涵深刻。而在音乐上更胜《英雄》一筹。

艺术的真实

为了艺术上的真实，影片里面的对白采用了故事发生地的地方语言—重庆三峡地带的乡土四川话，而且是非常地道的地方语言，所有人物的对白符合人物身份与性格。在影片里，生产队长及其它农民包括小裁缝说着带浓郁的土语，罗明说着地道但是略带书生味的重庆话，而马剑铃则说着带有非常书生味的带了成都味的半普通与四川话。而老裁缝则用语言表明他是外地人，但是已在四川生活很久的老人。而四眼（即眼镜的绰号）则是典型的外地话。这对影片的真实性及感染力是非常有力的。对于理解影片人物的性格也有更多的帮助。仅管这种严谨对于非四川人，对于外国人更是难以体会的。
在另一方面，影片所采用的道具是如此的真实，不管是罗明与马剑铃所住的小木屋，不管是那辆破旧的风车，不管是四眼犁田用的犁，还是罗明的小闹钟与老裁缝所用的缝纫机，所有这些都是绝对地方化与农村化的。如此多、如此真实的道具，对故事的环境的真实的渲染力都是无以伦比的。从许多小细节中，作为一个四川农村人（很幸运我是），能更多的体会导演的严谨与他所表现的感染力。但是，对一个不是从地道的四川农村出来的观众来说，很有可能对这些微小的细节一笔带过。而对于从小在这种小山村中长大的人来说，里面的每种道具都让人感到如此熟悉与亲切。
从这个几个角度上分析，这部影片并没有故意讨好外国人（这与张艺谋的作法是不同）。因此，对于这部在金球、夏纳电影中荣获提名的影片，笔者觉得它的艺术成就与它所获得的成绩是不相当的。

丰满人物的形象性格

在《小裁缝》中，几个主人翁的性格是个性鲜明且统一，人物形象饱满的，而且与故事情节紧紧相连的。当然，这是与演员在片中极其投入与敬业的表演分不开的。

小裁缝，作为故事的女主角。她比其它的农村女孩更开化，因为她的爷爷是一个见过一些世面的老人，因为她没有从事繁重的农业活，因为她有一个山村唯一的乡村老师妈妈。因此，在影片中，美丽的小裁缝会比其它的农村妇女更向往外面的世界，在与外地人罗明与马剑玲的交往中也就更大胆和更容易受到影响。故事中一个情节是在她把罗明的小闹钟偷出来折开看里面是不是有只小公鸡，这里对她的那种好奇与大胆有相当好的体现。而她接下来说：“你们城里人好安逸哟，大大小小的事都晓得。”更直接的说明她对外面的世界的向往。然后是她经常上山看飞机，并用泥巴塑成飞机放在自己的屋里。这里的几个情节充分表现她对外面的世界的向往。而最后她一个走进一间黑暗的非常农村化的卧室里，一个人站在床前从木窗往外望时，所有的观众都和她一样无比的渴望知道外面的世界是怎样的！
小裁缝容易受影响表现在她在读了很多的西方的小说后，竟然仿书里的描写，作出了山村的第一套胸罩，还偷偷在闺房中展示给其它的农村女孩看。
小裁缝的大胆还体现在，在四眼要走时，罗明跟马剑玲都束手无策时居然敢说：“我们把书偷了”这样的让罗明和马剑玲都吃惊的话出来。
小裁缝的语言，也和她的人一样，带有农村人的朴实语调，但却没有太多的土语。  

罗明，作为故事的男一号主角，他比马剑铃更大胆与外向，而且头脑也更灵活。在影片一开始时，从他敢从生产队长手中抢下小提琴时就可以看出。再后纵恿马剑铃拉小提琴时，也只有他能说奏鸣曲是一种山歌，还巧妙的把莫扎特与毛主席联系到一起，从而使那首小提琴协奏曲的演奏合法化。
罗明的外向与大胆还表现在他主动的要教小裁缝识字与邀请小裁缝过来玩上，以及在与马剑铃的种种行动中他总是主动者上。在追求小裁缝上，他的表现也比马剑铃主动和大胆得多。甚至在给农村人讲电影故事时，敢把巴尔扎克的小说《贝姨》当阿尔巴利亚的电影故事讲，还让大家一起高呼故事里的女主人翁名的小细节上。
罗明与马剑铃都是讲故事高手，能把《卖花姑娘》讲得有声有色，让下面的农村妇女与小裁缝感动得满脸眼泪。让小裁缝也感叹“听你们讲比看电影还好”。这让后面的故事变得非常的自然与顺理成章。如马剑铃给老裁缝讲《基督山伯爵》时，听得老裁缝如醉如痴，以至在缝衣服时加上许多故事里的水手标志。
作为一个地道的四川人，罗明操着一口地道但带有书生味的重庆话，也使他更容易溶入农村人并给他们留下更深刻的印象。在影片快结束时，当马剑铃再次回到凤凰山时，当地的农村妇女已经想不起马剑铃了，却能想起罗明，想起他讲的故事。

马剑铃，男主角第二号。他和罗明不一样的地方是他的内向，他没有勇气去抢自己的小提琴，也没有勇气去跟罗明抢小裁缝，只好把自己对小裁缝的爱深深的藏在心底。只有在小裁缝被蛇咬后，他用嘴帮她吸毒时，竟激动得全身颤抖。为了安慰小裁缝，他竟卖掉自己心爱的小提琴，换取可怜的25元钱。他对小裁缝的爱是如此的深，以至于几十年后，当知道三峡将被淹没后，不远千里从法国回来寻找小裁缝。在机场还不忘给小裁缝买一瓶法国的香水。最后，得知小裁缝的纸船可能在水里时，他竟毫不犹豫的跳入水中，寻找可能有小裁缝名字的小船。

其它人物也同样丰满并真实，如其中的老裁缝与生产队长。但是笔者已经不愿再作分析了。读者可以去影片中感受这个演员在一举手一投脚中所表现出的人物真实自然动人的性格。

情节丰富、自然

在短短的2个多小时中，影片给我们的情节极其丰富，可以说没有一个镜头是多余的。如果详细讲，恐怕一天都讲不完。仅举一例：影片中，四眼来到农村改造，已经变得和农村人一样，并在各种活动中百般温顺。可是，在犁田时却对无端的对老耕牛发火。而在临走前一天，止不住花钱杀了那条象征着农活的老耕牛，并真的喝牛血以泄愤。这个人外表顺从，而骨子里对这种压抑人性的所谓上山下乡的反抗表现得淋漓尽致。而影片中所有拍四眼的镜头加起来还没有超过5分钟。

音乐，电影的灵魂

影片使用了大量优美动听的音乐来表现故事，来表现故事情节以及用语言与表演无法表现的东西。
小裁缝中的音乐是我听过的最纯正的中国音乐。我不知道里面音乐作者王蒲建（音译）是谁，但是我相信这是我听过的最优美感人、最纯正、最地道的中国音乐（当然里面也选了几首莫扎特的小提琴奏鸣曲K261与K334，同样也极美）。而且可以大胆的肯定，这张唱片可以骄傲说：中国音乐是可以屹立于世界音乐之林而毫无愧色的。
影片最开始的凤凰山的主题，感伤忧郁却又是如此的优美动人，就如同美丽的凤凰山和小裁缝。在片中，音乐（或其变奏）和片中美好的山水是如此的和谐，以至于在看完影片后，我相信只有在如此美丽的中国山水中，才能产生如同片中的中国音乐。
当马剑铃奏响他的莫扎特时，优美的音乐与周围的人与美丽的山村竟是如此的不协调。在这段音乐的最后，我们听到中国笛与之混合在一起，似乎已经暗示着两种文化的冲突。
在影片中有一段，是罗明用缝纫机改装的钻子帮生产队长补牙。当小裁缝踩缝纫机时，是一段轻快的中国特色的改编卡门选段，笔者当时听了很久，硬是没听出来这是卡门中的曲子。对比卡门中的这一段发现二胡改编比卡门中的原曲还要有味道得多，不说出来根本不会怀疑它不是中国音乐。
片中的音乐是如此的感人至深，笔者现在经常聆听并为之感动，在这张碟中，我们听到了中国五千年农村的疾苦与欢乐，听到了中国五千年的文明。现在本人已将这张原声碟作为中国音乐的首选示范碟了。在此不得不说，这张原声碟的录音是笔者见过的最好的中国音乐，不管是音乐还是录音都和出名的发烧碟《江湖水》在一个水平上，当中的每一段都达到了示范级的水平。音场真实自然，乐器的质感极好，演奏也非常的地道。如果没有这张碟，你可能不知道中国的音乐是如此的优美动人。

思想内涵与思考

片中美丽的中国农村，代表着中国几千年的封闭、落后、愚昧，但是片中农村人与农村的山水，却朴实、真诚、美丽动人，让人怀念。
文化的冲突在片中是如此的强烈，以至罗明与马剑铃那怕穿上农村的衣服，都让人感到他们与环境是如此的不和谐。
影片的最后，三峡工程彻底的征服了这片古老的土地，涛涛的江水永远将它淹没。那大自然千亿年留给中华民族和人类的精心的杰作----优美胜过画的三峡的秀丽风光，那代表着中国五千年的农村的一切，那让人怀念的石级小路、农家的风车、老裁缝的凤凰版缝纫机，那朴实而真诚的农村人，那里的山山水水，一草一木，都永远淹灭在了滚滚的江水之中，永远的离开了我们。
而千千万万寻梦的少男少女们，像小裁缝一样离开那片土地来到现代化的都市寻找他们的梦想。
在影片中，导演并没有在两种文化的冲突中表明什么，而是把这个问题带给观众去思考——那就是，在现代经济的大潮中，我们失去的东西是不是太多太珍贵！

12.  武满彻

武满彻（1930年10月8日－1996年2月20日），日本20世纪古典音乐作曲家。

[出生] 1930年10月8日(1930-10-08) 日本东京 [逝世] 1996年2月20日（65岁）日本东京 [职业] 作曲家 [教育程度] 京华高等学校毕业 [音乐类型] 管弦乐，室内乐，电影配乐 [活跃年代] 1951－1996年 [奖项] 日本电影金像奖—最佳原创音乐 1979年：爱之亡灵、热情之秋 1986年：乱、火祭、无餐桌之家 1990年：利休、黑雨 1996年：写乐

小简介

[早年] 武满彻1930年生于东京，一个月后随家人移居中国大连，后又返回日本。年幼时因为被征兵而没有接受完整的教育，他在军中对西方古典音乐开始发生兴趣。日本战败后他为美军工作，这又使他有机会聆听古典音乐。他几乎没有接受过正规的音乐教育，而几乎全靠自学作曲。

1951年创建「实验工房」。

[成名] 20世纪50年代末，作曲家斯特拉文斯基访问日本，当时NHK电台选择了一些日本作品播放给他听，工作人员由于失误，把原本不在计划之内的武满彻的弦乐《安魂曲》播了出来，斯特拉文斯基听见后坚持要听完全曲，并认为这是一首杰出的作品，更把武满彻请去一起用餐。 [1]自此，武满彻开始成为日本最著名的作曲家之一。 [音乐创作] 武满彻的音乐受到了多方面的影响，例如具体音乐和电子音乐，德彪西和梅西安的风格，爵士乐，以及音色音乐等，他也深受日本传统音乐的影响，有部分作品使用了民族乐器。他的作品基本上都是慢速度的，充满了东方哲学的韵味。他的创作以器乐曲为主，管弦乐作品效果相当独特，也有一些作品涉及到电子音乐的技术，同时他也作有大量的电影配乐，著名的包括黑泽明的《乱》。1930年10月8日生于东京。师从清濑保二学习音乐。19岁前后与作曲家汤浅让二和钢琴家圜田高弘等组成艺术家社团 “实验工房” ，并开始作曲 。1957 年创作《弦乐追思曲》，别有新趣，影响较大。
60年代作有由17件弦乐器演奏的《地平线上的多里亚》、琵琶、尺八和乐队演奏的《十一月的阶梯》、钢琴和乐队演奏的《星群》等，逐渐蜚声国际乐坛。70年代后的作品有《鸟儿飞落到星状的院庭》等9首管弦乐曲 ，雅乐曲《秋庭乐·一具》 ，弦乐四重奏《仅有的路》，以及不少电影音乐和室内乐作品。他的创作个性鲜明，音乐语言新颖独特，在日本音调基础上运用了西方现代音乐技法，具有时代新鲜感。
　　武满彻和《秋庭歌一具》　　环球唱片在世纪之交策划了一套系列，算是这个唱片界老大头一次成规模地在主力品牌专注20世纪下半叶的新音乐。由于这些作曲家大多跨越了新世纪，所以这个系列就被命名为20至21，大部分录音为重版发行。首批十多张专辑中囊括了二十世纪下半叶最重要的音乐大师，譬如卢恰诺·贝里奥、皮埃尔·布列兹、菲利普·格拉斯、阿沃·帕特、梅西安、利盖蒂、诺诺......在这些大师中，直到目前（05年）为止，入选的东方人是日本作曲家武满彻和韩国女作曲家陈银淑。因为这个系列还在继续发行，是否会有更多的东方作曲家入选，目前还不得而知。
　　20/21系列陆续推出五张武满彻专辑，可惜作曲家本人没有能跨越新世纪，1996年去世，但他早已奠定了自己在二十世纪下半叶音乐史上的地位。这五张武满彻专辑分别是《秋庭歌一具》（In an autumn garden），《我听到水的梦幻》（I hear the water dreaming），《微光的斜纹》（Twill by Twilight），《雨打庭院》（Garden Rain），《群鸟飞临五角园》（A Flock Descends into the Pentagonal Garden）。
　　《秋庭歌一具》是作曲家为日本传统乐器写作的作品，《水的梦幻》则全是西洋乐器和乐队，风格接近印象派，风格更妥协一些，听过人较多，作曲家瞿小松听过《水的梦幻》专辑后，认为武满彻不过是拿日本琵琶、尺八这类民族乐器来包装，核心还是法国的印象派。这个评价似乎有失偏颇，因为他只听到了武满彻印象派的一面。而这张专辑中的作品倒是更接近瞿小松自己在新民乐运动中的实验，用民间乐器和民间音乐技法，来写作现代音乐作品。
　　武满彻并非是学院派出身。说起来，这位作曲家曾在中国度过八年时光，1930－38，生下来不久就被父亲带到中国。八岁回日本读书。1944年，日本战败前夕，连十四岁的武满彻也被征召入伍，他在军中第一次接触到西方音乐，那是一张老唱片，录的是一首法国歌曲。战后，武满彻在美军基地打杂，通过美军的广播网，听到大量西方音乐。16岁时，武满彻下决心从事作曲，尽管此前，他的专业音乐训练是空白。这位二十世纪东方的音乐大师几乎是自学成才的。
　　武满彻开始作曲的时候，追随的是德彪西与梅西安，早期作品就显示出贯穿作曲家一生的特点，对音高音色的敏感，旋律模式总是缓缓浮现在半音化的背景上。五十年代，先锋派是最时髦的，武满彻也曾尝试电子音乐和很激进的作曲手法，譬如用两个表演者，反复诵读日语中的“爱情”单词，还去录下水的流动声，可称谭盾的先驱了。六十年代其作品的特色就是分离，听起来支离破碎，有点像点彩画法，大量用到拨奏，这点在七十年代的作品中还留下明显痕迹。
　　武满彻成名于世界乐坛，部分归功于斯特拉文斯基，后者听了他的《弦乐安魂曲》后，宣称这是一部杰作。六十年代，武满彻开始与凯奇合作。凯奇音乐技法中的那种不确定性是否影响到了武满彻呢？也不尽然。早在五十年代末，武满彻还没有接触到凯奇音乐时，就已经将偶然性引入音乐。想比起音乐技法，更重要的是凯奇那一代美国作曲家们对东方传统音乐的崇拜态度，对武满彻起到关键影响。作曲家于1988年回忆说，在我作曲早期，总挣扎着避免日本音乐的影响，以为那才是音乐现代化的道路。而在和约翰·凯奇交往后，我转而意识到自身传统的价值。
　　武满彻的音乐就是东西方因素冲突对立的结果。不同文化背景下的音乐是无法完全融合的，必然有着重重的矛盾冲突。武满彻的音乐价值，正是来源于这种冲突和紧张。
　　1966年，武满彻第一首为纯粹为日本传统乐器作的音乐会作品《蚀》问世，由日本两位音乐家，一个尺八(横山胜也)、一个琵琶(鹤田锦史)，在西方广为演出，大大提高了日本现代音乐在西方的地位，武满彻从此也被视为东方现代音乐家中的代表。 　　经过多年的挣扎，武满彻一直没有找到令他满意的出路。直到他远离日本，在欧洲定居，有了距离之后，他才清楚意识到他的音乐一辈子也无法摆脱日本文化的影响。作曲家陈其钢也表达过类似的意思，音乐家、特别是作曲家，是无法逃脱本民族的思维方式和母语的，这既是他的限制，同时也是他的依靠。武满彻也是如此，人们发现，即使在他最激进的作品也没有摆脱东方音乐的特点，没有西方式的逻辑发展，一切都是静态的，缓慢地循环。
　　专辑《秋庭歌一具》中最重要的作品，当属标题所示的《秋苑》（In an autumn garden）。它在日文原文中，被称为“秋庭歌一具”。《秋庭歌一具》在武满彻的所有作品中占有一个特殊位置，这是为传统的日本雅乐乐团而作的，日本雅乐最早传自中国唐朝，也是当今保留唐乐最完整的音乐形式。一千年来，雅乐一直是日本的宫廷音乐。韩国宫廷也保留了唐朝音乐的一些特色。唐乐在中原失传，今天我们要了解唐乐，只得去韩国和日本。这的确是很值得玩味的文化现象。日本雅乐的乐器包括尺八、笙、箫、十三弦古筝、鼓、锣。武满彻的《秋庭歌一具》力求忠实雅乐的本真风貌，可以说是武满彻最日本化的一首作品。雅乐本真的风貌靠乐器音色的组合来传达，武满彻说：我并不想控制音朝某个固定方向运动，我只是释放它们，让它们自己运动起来。《秋庭歌一具》营造的就是一个静态的画面，肃杀悲凉。

长老出山了，哈哈，新年快乐！
其实帖子中的很多原声CD碟，长老自己都没有！

原帖由 蚂蚁博士 于 2014-2-6 14:45:00 发表 长老出山了，哈哈，新年快乐！ 其实帖子中的很多原声CD碟，长老自己都没有！

哈哈，你好！
揭我老底，嘿嘿，如果都有了，那我就是牛A和牛C之间的了。

01. 乱  武满彻

作为黑泽明大师的最后一部作品，武满彻的配乐日本味很浓，并很多时候让人不觉得音乐的存在。如果用动听的标准来选择武满彻的电影配乐，估计会失望的。

13. 三宝


三宝，男，本名那日松，蒙古族.出生于音乐世家，四岁开始学习小提琴，十一岁学习钢琴，十三岁进入北京中央民族大学音乐系附中学习小提琴。一九八六年以优异成绩考入中央音乐学院指挥系。自一九九零年开始，三宝分别与广西歌剧院交响乐团、武汉舞剧院交响乐队及中央芭蕾舞交响乐队、北京交响乐团、中国交响乐团、中国歌剧院交响乐团、中国广播交响乐团合作演出；一九九七年后成为自由音乐人。

在民族学院学习期间，三宝对欧美流行音乐产生极大兴趣，开始尝试流行歌曲创作，一九八九年北京亚运会大型演出中，他以一首《亚运之光》正式成为流行乐坛的出色代表，此后积极致力作曲、编曲、制作及演奏活动。他曾为台湾著名歌手苏芮写曲数首，亦与李宗盛、卢冠延合作，制作《我们就是这样》专辑。在为毛阿敏制作的第一张专辑里，其中《我不愿再次被情伤》更获香港电台一九九五年第一季十大金曲第一名。至今，他已编配的作品达数千首，而创作的流行歌曲已达数百首，其中脍炙人口的优秀作品有：红豆的《一个童话》；李玲玉专辑中的《挥挥手》；景岗山专辑中的《我的眼里只有你》、《花灵》、《我是不是还能爱你》、《我知道你在等着》；丁薇专辑中的《断翅的蝴蝶》；林依轮专辑中的《告诉明天再次辉煌》、《带上你的故事跟我走》等。

在创作流行歌曲的同时，三宝并没有放弃自己的专业特长，多次在国内外交响乐队的演出活动中担任指挥，并热心从事纯音乐及影视音乐、广告音乐的创作，从而以他的的音乐天份以及作品的多元化、色彩化和旋律性而着称。

一九九六年在香港艺术节中，三宝亲自率团演出了他的系列音乐作品，在这部长达90分钟的作品中，他以其深厚的古典音乐功底，结合现代音乐及蒙古民歌素材，赋予音乐强烈的画面感，令观众反响热烈，并于返京后将作品自费录制成专辑，名为《归》。

从90年代中期，三宝作为一名著名音乐家，曾多次被中央电视台、CHANNEL[V]，北京电视台、各地方电视台等媒体以及诸多单位举办的大型音乐比赛活动邀请担任评委。

01. 我的父亲母亲/一个也不能少  配乐：三宝


两部电影的配乐放在一起可以说明两点：1.单独一部电影配乐内容实在有点少，2. 主题重复太多。不过，我的父亲母亲的那个感人的主题就易听性而言还不错，一个也不能少的主题音乐也很好听，但反复也太多了点吧。

02. 梅林嘎达  作曲：三宝

三宝的母亲是辛沪光，她曾作过一首梅林嘎达的交响诗。当三宝写这部和她知名母亲著名作品同名的电影配乐时，我想他血液中的蒙古因素得到了最大的激活，所以，这部电影的配乐写得抒情、动人，而且蒙古味十足。窃以为远远强于《我的父亲母亲》的。




转：《三宝电影原声音乐：嘎达梅林》的导演冯小宁请三宝为自己最新的电影谱写电影音乐，而这部以蒙古族的爱情故事为主题的电影，片名就叫“嘎达梅林”。命运在此时向三宝显现了惊人的力量，“嘎达梅林” 这四个字与三宝似乎有着不解的缘分，也为三宝开启了一扇在音乐里向着故乡的回归之门。

因为三宝的母亲中国著名的音乐家辛沪光就曾经根据蒙古民歌《嘎达梅林》创作过一组交响乐。此次创作中，三宝尽可能的将蒙古族的音乐人带入电影音乐的制作过程中，除了三位民歌手演唱了蒙古长调之外，马头琴的演奏者以及歌词的创作者均来自内蒙古。三宝曾说，“嘎达梅林”更多是为自己而作，他喜欢用音乐去表达自己内心的情感，它能让自己那么的纯粹，那么没有杂念。

2002年底，中国电影的最高奖项金鸡奖的颁奖典礼上，三宝凭借《嘎达梅林》和《天上的草原》（收录于“直接影响Ⅱ”）两部电影音乐获得提名最佳电影音乐，并最终以《天上的草原》捧得金鸡。电影《嘎达梅林》上映后，电影的音乐更成为媒体关注的亮点，甚至有很多人是为了聆听电影音乐而去观赏了电影，以致有人说《嘎达梅林》是一部要用耳朵听的电影。

14. 小虫
　　1983年一首「小雨来得正是时候」让从未受过正统音乐学院教育的小虫名扬台湾，郑怡更也因此曲而荣登高销售女唱将行列，成为国内民歌手转型为歌坛天后的最佳典范；「小雨来得正是时候」更是蝉连83年当季台湾最具公信力的音乐综艺节目《综艺100》排行榜13周，开启了他音乐创作的生涯。同名专辑更缔造全亚洲一百万张的销售量，演唱者郑怡的冠军，成功的结束民歌时代，转为华语流行歌曲最佳作品。
1992年，小虫老师投身制作电影配乐，为什么会想尝试做电影配乐，为的只是向一般所谓学院派的音乐人证明流行音乐创作者，也是可以做出气势磅礡、或是悲绝凄美的动人旋律的，第一次的电影配乐制作【阮玲玉】光是所创做的主题曲「葬心」，由黄莺莺凄情诠释，就够让人哀伤的了。【阮玲玉】的电影原声带是小虫首度尝试完整的电影音乐创作，运用复古唱盘音效，搭配中国早期女歌手的小调唱腔，作品一推出果然展现令人哗然的成果，小虫并因此成功开辟自我区隔于主流音乐创作风格，也再次用实力证明自己真的是个真正的作曲家。该作品更受到《台湾金马奖》以及金曲奖的肯定，甚至是《海外香港电影金像奖》以及《新加坡流行歌曲金曲奖》的殊荣。为香港国际导演关景鹏成功写下一部经典之作。
　1994年，继93年李丽芬『得意的笑』得意全台湾，小虫94年二度制作李丽芬专辑，创作『爱江山更爱美人』『爱不释手』 为台视连续剧《倚天屠龙纪》主题曲。
　　小虫继『阮玲玉/葬心』后，第二度与香港名国际级导演关景鹏合作，着手电影原声带创作。 主题曲『玫瑰香』礼聘乐坛天后林忆莲柔情演唱，专辑远赴上海制作，并由小虫亲自上阵指挥百人交响乐，让《红玫瑰白玫瑰》电影原声带不负众望，再夺亚洲多项音乐大奖，将小虫推向『本世纪最佳电影音乐制作人』。 该电影原声带荣获第31届台湾地区《金马奖最佳电影配乐》以及《金鼎奖最佳作曲奖》、《台湾文学金鼎奖最佳作曲奖》，并入围香港《金像奖最佳电影主题曲》及《最佳电影配乐奖》。

01. 阮铃玉   作曲：小虫

无数次听到过里面这首葬心的主题歌，真是太感人了。这张原声中营造出的那种怀旧、感伤的氛围，同样感动过很多次。可惜这张原声已绝了很多年了，只有朋友赠送的刻录CD。




转：“蝴蝶儿飞去心亦不在，凄清长夜谁来拭泪满腮……”黄莺莺如涕如诉的唱着《葬心》词：“人言汇成愁海，辛酸难捱”姚若龙的词作仅仅几句话便写照了这位中国影坛的传奇人物阮玲玉的一生。
      阮玲玉：16岁投身影坛，往后九年共拍了29部电影，她在荧幕上所展现出的魅力，在当时影坛无人比及。而在那时的封建社会里，这个外表高贵华丽**终究还是逃不脱命运的束缚，最终被舆论的恶意诽谤所逼走向绝路,阮玲玉25岁香消玉殒,并留下了“人言可畏”四字遗言。
    电影《阮玲玉》所揭开的即是阮玲玉这一生的传奇故事和悲惨遭遇。阮的遭遇固然是封建时代不可避免的悲剧，而意外的是《葬心》这张电影原声碟并没有掉入缅怀纪念的情绪里，与电影分开来听，它依然是一张完整的音乐大碟。这正是一部好的电影音乐所该成为的：即能够流畅的贯穿电影画面带给人感动，而在单独拿出来听时，你依旧能够感受到电影里随之相关的情节，依然那一幕幕画面所感动。
    “回首来时路，分分合合两相欠；春风再拂面，十里洋场展欢颜。”
    主题曲《葬心》在这张原声碟中收录了两个版本：一是现代版，一是30年代旧版（又名〈野草闲花逢春生〉）。两个版本虽同为黄莺莺的演唱，听来心情却大不相同。我是更加喜欢后一个版本的，在旧留声机沙沙的垫乐声中，音乐不难把记忆拉到那个特定的年代。这正是阮玲玉生活的旧上海，三十年代的旧上海，滋养着一批批醉生梦死的中国人的地方。
    阮玲玉虽然17岁就已走红，而她毕竟只是个小女子。她虽成名，但那时影坛中蝴蝶是她事业上最大的竞争对手；感情上她虽有爱人张达明，得到的却只是张对她感情和金钱的倚赖和敲诈，甚至到她以为找到一个终生依靠的港湾——唐季珊时，她更被世俗的流言和诽谤所困惑。跟唐的相识到同居，是导致阮玲玉悲惨遭遇的直接原因。《无缘》跟《恨晚》这两支欢快的舞曲便写在阮玲玉跟唐爱情的开始。在《无缘》里她告别年轻迷茫的爱结识唐季珊，在《恨晚》里正式改变新的感情生活。这跳动的旋律，更映衬了阮玲玉往后生活的凄苦。
    其后《决心》音乐一响起便预示着当时政治环境的剧烈变动。本是繁华富裕的旧上海在日本人的侵略下变得顿时紧张起来，中国人顿时觉悟只有拿着刀枪与敌人斗争到底才是真正救国之道。《决心》即是这样一段特写：剧中阮玲玉从香港回到刚刚结束完救亡运动的摄制组，看到每个人心里强烈压抑着的悲痛跟救国救民的决心。刘嘉玲哼来的这段曲子震撼着我们的心灵。“山河变色，天愤人怒；凝聚千万心，还我大中国。”这段合唱在电影里显示了当时中国人民抗战的决心，而脱离电影来听，也听得让人格外振奋！
    在这张电影原声里还有一首歌叫人印象颇深，便是阮玲玉在拍摄电影《新女性》时的插曲。“新的女性是生产的女性大众，新的女性是社会的劳工……”那时阮玲玉似乎已经找到了生活的归宿，可是内心里她却是茫然和无助的。这首歌恰巧也反衬着阮那时无助跟无奈的心态，强烈的体现着她那根深蒂固的旧封建思想。正是这种逆来顺受和消极逃避天性，最终使她在面临生活、事业和社会舆论带来的伤害时走向了绝路。
    《还情》、《雪夜》、《恍如隔世》、《爱恨沉浮》、《旧梦无痕》、《我好快乐》，这一支支曲子缓慢的流过耳际，听的人一阵阵心酸。“林花谢了，连心也埋，他日春燕归来，身何在？”小虫不愧为一个电影配乐大师，旋律流畅缠绵，流露着丝丝悲凉，恰切的衬托了电影暗淡暧昧的画面，听来叫人不禁揪心而痛，潸然泪下。
    小虫的配乐，姚若龙的词作以及上海交响乐团北京女子合唱团的配唱都是这张电影原声碟可圈可点之作。黄莺莺幽婉缠绵的《葬心》词也是整张专辑最大的收藏之处。大抵一部好的电影跟原声之间是有着微妙的密不可分的关系的，不可或缺却也能够显得互不相关。《葬心》即是这样一张好碟，无论你看过电影再来听它或是先闻其色再见其影，都是一部上乘佳作。只待是听者有心，看看你能否真正听个所以然了。