好声是由哪个环节起决定性作用的？ [复制链接]

音响扮演了那一种艺术角色？
　　这种『音响美学』、也就是『音响是承载录音艺术的工具』的观点，让我发现一种值得思考的现象：这是我在某个乐友家中真实遇到的情况。这位乐友兼发烧友音响加空间处理真的不惜血本投资数百万，结果播放流行的多麦克风加料录音唱片与播放上述『美好时代』的三种录音艺术，听起来居然都差不多，通通都非常好听？
　　好像有一种音响美学与系统调整方式，先把唱片的泛音动态压缩到破坏原始录音的细节，然后后端再进行声音的加料还原，让每种唱片产生通通一样的泛音动态；于是任何原始录音的特性通通消失，后端喇叭放出来的都是『好听』『合宜』的泛音结构。
　　如果音响只是手段，音乐才是目的；让所有特性不一的唱片全都表现出最美（不见得够真实）的音乐气氛，是不是音响的目的？
　　录音的美学能当成目的吗？好听的高级音响，往往得不到现场级的感动；但是透过忠实呈现艺术级录音美学的唱片与忠实呈现唱片录音水平的音响，却可以得到足以震憾人心的感动；忠实呈现录音美学，到底应该在音响的那一个位置？我更大胆的狂想：所谓用亮一点(或暗一点)的前极搭配暗一点(或亮一点)的后级、很亮的前端搭配较暗的喇叭、温暖的系统加上透明感的线材......会不会都是一种『让所有唱片的录音美学通通均一化』的手段？
　　到底音响应该是什么呢？

『诱发现场感』与『诱发唱片感』
　　最近疯狂沈迷上于皮尔奈(Gabrie1 Pierne, 1863-1937)的音乐，3B2T教主的名位快要不保了；刚好拥有录音艺术极成功、荣获坎城唱片大展2002年年度唱片与管弦乐部门大奖的 TIMPANI 之夏隆与卢森堡爱乐版本，以及超级老历史录音(1934年)之皮尔耐自己指挥的西达利丝与小牧神芭蕾音乐。沈吟在老录音保存的音乐艺术与现代录音艺术之间，于是我发现唱片录音有两种：一种是能『诱发现场感』的录音，另一种是只能『诱发唱片感』的录音。『诱发现场感』的录音，它绝对不意谓着『原音重现』；它只是意谓着一种所谓默会知识(tacit knowledge)，艺术家级的录音师掌握住一种忠实呈现艺术的录音技术，无法明言知识定义它。但是他们的录音，你听起来就是会让你有如聆听现场演奏的音乐认知与感受；这不是音响上所谓的现场，而是你『不会』去计较它的演奏有什么音乐上的优缺点，你『会』参与进演奏者塑造的音乐气氛中，感受到演奏家无形的现场音乐语言、现场听众无形的非现场聆听语言，因而产生令人满意的『诱发现场感』效果。
　　相对的是『诱发唱片感』的录音，它可能很真实、很发烧，但是它无法带你走进『现场感』，你能轻而易举地使用客观的立场立即辨认演奏的优缺与诠释的是非，很适合进行唱片专家的评论，所以我戏称为『诱发唱片感』的录音。
　　比较皮尔奈与夏隆的指挥，两者的诠释大有不同，当然个人感受到皮尔奈自己指挥的乐句分段与音质控制都是上乘。诠释与技巧如此特出的唱片，依我的聆乐习惯我才不会管它是什么多烂的老录音，还是只会只聆听它，把录音好而诠释差的唱片冷冻起来。
　　结果我被『诱发现场感』的录音唱片彻底打败了。

能否举一下上述三种录音方式的代表作？

精致的录音艺术传统之追寻
　　客观分析可以知道演奏技巧与音乐素养的好坏；但是『诱发现场感』的录音带领聆乐者进入主观知觉，『很难』抽身变成客观评论，结果还是继续被夏隆深深的吸引下去......当然这个范例不大恰当，因为夏隆与卢森堡乐团即使比不上皮尔奈自己的演出，也绝对算是现代录音中最伟大的指挥家与乐团之一。同样的录音艺术如果换个超烂的指挥与乐团，很可能『诱发现场感』的录音就无法拥有这么可怕的吸引魔力。独立的立场我当然力捧吉利尔斯的经典诠释。但是这张唱片录音在『合宜的音响』之呈现下，实在太容易『诱发现场感』了，！忍不住就要放出来震一震、爽一爽，惊奇于贝多芬可以预知后世的钢琴制造艺术...... (我一定要强调是『合宜的音响』，因为这张唱片实在非常挑音响！)
　　我们讨论录音的好坏，客观来说当然不可能『原音重现』；但是回到人类普遍的心理实相，会不会有一种录音艺术，能让我们轻易得到类似现场演奏中被吸引进的主观感受，而不会如听一般唱片音乐一样被迫客观化（这就是『诱发唱片感』）？同样的，音响系统会让这张承载录音艺术的唱片呈现『诱发现场感』的直接感受？还是只能呈现合宜的讨好音效、甚至是一元化地把所有录音艺术都变成同一种低俗的特色？
　　让我们试试看当音乐与音响面临 FY/SOLSTICE、TIMPANI、BNL/SYRIUS 三种录音艺术的展现会如何？这样子，透过『录音艺术』的中介，音乐软件与音响硬件之间能不能产生更有意义的连系？录音本身成为艺术，能不能寻回音乐欣赏的重大意义刚刚把 MUTTER 这张知名的唱片翻出来听：这可以当成一个极佳的『反面教材』....
Mutter 的演奏技术好不好、诠释水平高不高，在此完全悬而不论。我们只谈『录音』，看看不当录音对音乐艺术的伤害性。
这张唱片如果是在美声式音响系统、mp3或极低价音响系统，可能不会听出有『严重问题』。
先说第一首流浪者之歌：
一开始是乐团的小提琴合奏，这是没有加 echo的小提琴声。
再来独奏小提琴一加入，哇哩咧，前一个音与后一个音混在一起了，这是唱卡拉ok时加上 echo 或 delay 的效果。萨拉沙泰写作时直接要求，快速音群上下起伏时必需要每个音符都清清楚楚刻划。结果这张唱片个音符都是黏在一起的，录音直接造成这种结果。
再来，请换到拉威尔的《吉普赛人》：
一开始小提琴单弦的花奏，当然一直出现 ECHO 与 DELAY。一直到最高音，听起来都很舒适对不对？
大错特错！这一段是G弦独奏，己经到不知第十几把位超高把位之高音，由低音到高音，一定会有『紧张感』越来越大的感受，那可能像这张唱片一样那么松弛的？这是标准的后制加料。
再来请注意到『堂音』，先记住拉弦时的堂音，再仔细分辨拨弦时的堂音。有没有发现两者的残响差不多？
又错了！小提琴拨弦除非空弦，否则残响一定远小于拉弦，其中左手拨弦又远比右手拨弦更细瘦。结果这张唱片听起来通通一样分不出来...可见该唱片的残响是『人工添加』的。
最后，其实这张唱片的频率响不是平坦的，极高音与极低音被削弱，却用 ECHO 来补强，后果造成小提琴最低音弦的音色是不正确的。
更好玩的是《吉普赛人》从独奏转合奏的竖琴花奏乐段，竖琴的残响当然远远胜过小提琴的拨弦，结果听起来小提琴的拨弦居然可以压倒竖琴直贯云霄，MUTTER 那把小提琴可能比低音大提琴还要大才会有这种效果...
至于买了怎么办？这个嘛....不要把它当成调整音响用的唱片就好了

原帖由 670707 于 2011-5-24 22:38:00 发表 是啊，我们理解好录音应该基于真实基础之上，而不是电频做高、人为的突出某些细节、血盆大口将要把麦克风吞吃的感觉，这些是把声音做假，音乐感自然就差了。

Chesky是1978成立的，应该是唱片公司中的小弟弟。她主要是买RCA、Decca的母带来“再造”唱片，怎么“再造”？大家都是懂的！

先生说的对，我现在整理一位资深烧友写的文章，供大家参考，这里主要讨论录音与器材调音问题，其中很多观点是指导和启发性的，很重要。

请等一下，让我把文章贴完再逐一介绍，谢谢！

FY/SOLSTICS 强调完整补捉声音直接的『能量感』，想象你站在乐团指挥台前狠狠瞪着乐手看看那个家伙正在偷懒，就是那种感觉。它令人感觉到声音的『冲击性』：你不会觉得吵，但是你会被声音『按摩』身体与耳朵；试着在感觉你身体接任何物品时，总会强烈感受到该物品的共振频率：只要那张唱片有这个音频，再怎么小声播放音乐，该物品就是会产生共振。这种声音的能量感以我有限的声学物理知识实在无法清楚描述，是非常特殊的音响体验。但是似乎也因为这种特性，它的唱片超级挑音响，音响只要有一个环节不够真实，这种唱片就会摆烂给你看。
　　BNL/SYRIUS 似乎强调完整的『间接音』，尝试完整收录录音空间的残响；彷佛坐在音响效果最好听的观众席上轻松欣赏乐团的演奏。相形之下声音没有 FY/SOLSTICS 那么冲，也是最不挑音响的录音，什么烂音响都可以展现 BNL/SYRIUS 高水平的录音。
　　TIMPANI 刚好介在两者之间，空间残响比 FY/SOLSTICS 多，冲击性比 BNL 大。
　　这三种唱片展现了三种不同取向的录音艺术，那么音响应该是什么呢？音响虽然不可能唯一正确，但是一套『忠实表现音乐或录音素养的音响』岂不是应该能同时满足这三种录音艺术吗？音响可以本身就是艺术，但是从我这个角度，我会期待音响能忠实承载着录音的艺术，好音响应该可以同时展现三种录音艺术的美感。

音响与室内空间调整较佳的情况，人工化越强烈越容易引起不自然感觉(因为人工化本来就不自然，不如听MONO)。这很合理地暗示着：很多人工化的唱片录音技术(包含所谓的特殊转录技术，如DG的大花版、EMI的ART)，目的其实就是要让普遍大众的廉价音响听起来好听，也就注定了使用正确的高级音响听起来就惨了....

我谈论音响只有一个目的：唱片中有非常多讯息，能让我听到最多量唱片讯息的音响，就是我要的音响工具。同样的，唱片录音谁好谁坏我也不知道，我重视的只有可以让我听到最多量音乐演奏讯息的录音（或唱片），就是好录音（好唱片）。
音乐、唱片或音响好不好听，当然是很主观的；但是音乐、唱片或音响有没有最多量的讯息，这就客观无比了；从而使音响回归一种声音播放的科学，不再是个人主观的好恶。当然了，这种科学是为了『认识音乐中的色彩』而服务的，有可能音响本身发出的音质『不好听』，但是表现的音乐色彩却非常精准，这在我的定义就是『音乐好听且音响正确』。在这种一致标准下，音响科学不再以价格成为唯一标准，而是以『音响正确（能回放出最多的音乐讯息）』为重要指针。
　　音乐的『好听』，在于吸收到多少它本身的讯息；音响的『好听』，却可能是抛弃音乐讯息再加减调味后的声音效果。因为我不是玩音响的人，而是打算透过音响获得更多音乐的聆乐者，所以我说的『好听』一定是指音乐(或唱片)。在我的体验中，只要三万元左右，就可以走向『音响正确而让音乐更好听』之路，从而在适当工具的基础下认识到音乐的色彩之美。这个最低的价格门坎，应该对爱乐者不算是太大的负担。
在特殊的情况下，的确可能发生音乐的讯息越少、越容易觉得好听的现象。但是古典音乐这种老旧事物之所以值得现代人不断追寻，正因为它的音乐讯息量是非常大；因此音乐讯息不足反而觉得好听的现象，应该要视为自己的音乐素养需要被挑战的起点。我个人有一个非常深切的体认：很早就知道贝多芬的《汉马克拉维》第２９号钢琴奏鸣曲有多难了，尤其是第四乐章超难度的『四』声部赋格曲根本无法想象能有钢琴家可以正确演奏出来！当时遇到《古典音乐杂志》的许多音乐同好，大家都热爱吉利尔斯的贝多芬后期钢琴奏鸣曲录音；但我指出面对这个最困难的乐章，吉利尔斯明显只突出『两个声部』，避免技巧不足却硬塞四个声部反而混乱不堪的下场。当时大家都同意这个现象，却默认了这是无法解决的困难。结果到了我最近认识新天新地唱片行后，才发现法国钢琴演奏家对这个问题明显驾轻就熟，好几个钢琴家都有成功营造四声部的能力：EL BACHA、海德席克、蕾菲布．．．．如果当时我追根究底询问真正的四声部能力，或许就可以提早二十年了解法国古典音乐的优点，从而提早体会音乐色彩的艺术旨趣了。